RESONOCO

En el 2008 se cumplen 50 años del estreno de Vértigo, la pelí­cula más aclamada de Hitchcock. Tensión desde el inicio y un guión que destroza la lógica y los nervios, convierten a la cinta en una obra maestra del cine.

Randall Cordero Sandí
rcordero@vueltaenu.co.crEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla
Corrí­a 1958 y la obra maestra de Alfred Hitchcock se estrenaba en los cines: Vértigo.
Luego, en 1996, pasó lo mismo que 38 años atrás, el mago del suspenso llegó las pantallas con su mejor pelí­cula y tensó al máximo, como si fueran cuerdas de piano, los nervios de las nuevas generaciones.
Como obra cumbre de un director genial, Vértigo merecí­a toda clase de cuidados, por lo que Universal Studios invirtió más de $1 millón para restaurar los rollos originales.
La readecuación del filme, además del mejoramiento de colores, incluyó la duplicación del formato de 35 milí­metros a 70 (la imagen se hizo más grande), así­ como la utilización de seis canales de audio para su maravillosa y escalofriante banda sonora.
Vértigo fue rodada bajo el sello de Paramount Pictures en los años cincuenta, pero Universal adquirió los rollos originales décadas después.
Obsesión y acrofobia
Muchos elementos hacen de Vértigo la mejor pelí­cula de Hitchcock, pero en resumen son un manejo absoluto de la tensión psicológica, sus expresiví­simos planos cerrados, la sensualidad latente de su protagonista Kim Novak y la capacidad deductiva y personalidad insegura del personaje interpretado por James Steward, quizá el actor favorito del famoso director.
Steward es John Scottie Ferguson, detective retirado por padecer de acrofobia (vértigo provocado por la altura), mientras Novak juega dos roles: Madeleine Elster y Judy Barton.
Scottie investiga a Madeleine por encargo de su esposo debido a que parece poseí­da por el espí­ritu de una antepasada. El detective se enamora y obsesiona de Madeleine aunque esta intenta suicidarse y, cuando finalmente lo logra arrojándose del campanario de una iglesia, Scottie enloquece por casi un año.
Recuperado, melancólico y obsesionado aun, encuentra a Judy y quiere convertirla en Madeleine, pero descubre que ambas son la misma persona y que además él fue ví­ctima del engaño. Su furia le permite vencer la acrofobia, pero ahora sí­ perderá a ambas mujeres irremediablemente.
periódico Vuelta en U 11 junio 2008.

Cine

Historia Los protagonistas del segundo largometraje tico se encontraron 50 años despuésCineEl retorno de ‘Elvira’

Roberto García Herrera | rgarcia@nacion.com
José Tasies y Mariza Urbano son la pareja estelar de la película Elvira, filme costarricense de 1955 inspirado en la obra literaria del mismo nombre que Moisés Vincenzi había publicado en 1940.

La novela pasó del papel al filme por iniciativa de Carlos Alfaro Mac Adam, propietario de la radioemisora Columbia . Él se proponía colocar a su emisora en el primer lugar en el gusto de los oyentes y optó por la singular y riesgosa promoción de producir la película.

Antes del año 2001, la existencia de Elvira se conocía solo por referencia de algunos que participaron en ella. En el 2001, una llamada telefónica al Centro de Cine hizo que William Miranda, restaurador fílmico del Centro, se desplazara hasta la radioemisora.

La secretaria de Rolando Alfaro, hijo del señor Alfaro Mac Adam, había telefoneado para explicar que en un rincón de su oficina había un rollo de película del que no querían deshacerse sin antes saber su contenido. Miranda comprobó que era Elvira . Entonces el filme fue donado por don Rolando y restaurado por Miranda en la Filmoteca de la UNAM (México). Se reestrenó en el Cine Variedades en la Décima Muestra de Cine y Video Costa-rricense, en el 2001.

En forma paralela, María Lourdes Cortés, investigadora del cine nacional, buscaba a Maritza Urbano para obtener su versión del rodaje. Por fin, casi por casualidad, dio con ella y recopiló entonces el testimonio de Urbano, Tasies y otros protagonistas en su libro El espejo imposible (Un siglo de cine en Costa Rica) , publicación del 2002 que contiene una detallada crónica de los aspectos relevantes de lo que fue el segundo largometraje nacional, 25 años después de El retorno , de 1930.

Otras facetas de esta historia afloraron en el programa Lunes de Cinemateca , que juntó a Urbano y Tasies en un set del Canal 15 de la UCR en el 2004. Para don José fue como retornar a su antiguo trabajo en la Universidad de Costa Rica pues laboró muchos años en su radioemisora. Doña Maritza llegó acompañada por su hija, Francesca King. Presentamos un extracto de aquel diálogo.

¿Qué sensación les produce este reencuentro?

(José) Ha sido una confrontación un poquillo violenta con tantas cosas, verdad.

(Maritza) El recuerdo de la amistad que hicimos en la película ha quedado conmigo para siempre.

(José) Digo ‘violenta’ porque ya me había olvidado de estas cosas.

(Maritza) Ah, creí que lo decías porque la historia de Elvira nos ponía más bien como contrincantes amorosos (risas).

¿Cómo fueron escogidos para actuar en ese proyecto?

(Maritza) Yo era una chiquilla de 17 años y tomaba parte en el concurso de Miss Costa Rica cuando llegó don Carlos Alfaro y me habló de la posibilidad. Entusiasmada, se lo comenté a mi madre, y, como don Carlos era conocido como una excelente persona, no fue difícil para ella conseguir el permiso de papá.

(José) En mi caso fue casi por obligación. Justamente yo trabajaba con Carlos (Alfaro) en la promoción del proyecto, mediante un concurso público para elegir a los actores y actrices.

¿Cómo pasó de trabajador de la producción a primer actor?

(José) Yo era actor de teatro. Carlos me fue a ver en la obra El doctor Knock y salió convencido de que yo debía hacer el personaje. Simplemente me lo ordenó: “Acordate del contrato”, entre broma y en serio.

Además del centro de San José, ¿en qué otros sitios se filmó?

(José) Recuerdo muy poco de eso porque el programa de secuencias era muy disperso. ¿Vos te acordás?

(Maritza) A mí no me mirés… (risas).

(José) Unas escenas se filmaron en La Puebla de Heredia, cerca del viejo higuerón. Por cierto que en La Puebla nos juntábamos los de la Escuela Normal, y en las noches de luna caminábamos por las calles de la ciudad hasta el higuerón, donde cantábamos y comíamos las melcochas que las muchachas habían preparado en sus clases de cocina.

¿Por qué trataba usted tan mal a Alberto (el personaje) en la película?

(Maritza) Porque me obligaban…

(José) Yo digo que le costó… la actitud, no la actuación.

(Maritza) Sí, me daban con un palo, ¡enójese, enójese! (risas).

El espejo imposible documenta el primer beso del cine costarricense. ¿Cómo lo recuerdan?

(José) A mí me fue bien en el trance, aunque para vos resultó incómodo pues no lo habías hecho nunca, mientras que yo tenía cierta trayectoria en la cuestión.

(Maritza) Ah, sí, ya venías muy practicado.

(José) Alguien comentó que se iba a filmar la escena del beso allá, en Escazú, y llegó un gentío a curiosear.

(Maritza) Nos agarraron de sorpresa. “Ahora, usted le va a dar un beso a la niña”, dijo el director, y José respondió: “Bueno, está bien”, muy serio, porque estaba siempre muy serio.

¿Y usted se asustó?

(Maritza) “Mirá, ¿qué es esto?”, me limité a decir.

(José): Yo me equivocaba adrede, hasta que se escuchó un enérgico “¡corten!” de don Alfonso Patiño Gómez, el director. “Diay, Pepito, ¿qué piensa usted: que se está comiendo una piña?”, me dijo.

(Maritza) “Así no”, decía don Alfonso. “Tiene que ser como en el aire; se dan vuelta como en un ballet, y las bocas se acercan, pero no se tocan”. Entonces intervino Max Liszt, el director de fotografía, que había trabajado en Hollywood en las películas de Rodolfo Valentino; me tomó en sus brazos, me inclinó como si yo fuera Gloria Swanson y demostró cómo debía ser el beso.

El espejo imposible refiere una fuerte polémica que sostuvo usted con el crítico Rodrimur (Enrique Rodríguez Murias)…

(José) El problema surgió porque se trataba de un trabajo de aficionados, y el crítico esperaba ver una producción a lo Cecil B. de Mille. En realidad se tomaron las cosas muy en serio, casi en el plano personal, y ese crítico y yo fuimos “cordialmente enemigos” durante un tiempo.

¿Hubo algún acto oficial en el estreno, en el cine Raventós?

(Maritza) No, no recuerdo si hubo alguna ceremonia.

Gracias a ambos por atender nuestra invitación.

Se abrazaron otra vez, y un beso en la mejilla entre don José y doña Marizta culminó, ante las cámaras, el reencuentro de los protagonistas del segundo largometraje en la historia del cine nacional.

Suplemento Áncora. periódico La Nación 11 mayo 2008.

Producción cinematográfica nacional

A la espera: La película costarricense, de Miguel Gómez, se estrenará el próximo 8 de agosto en las salas de cine de nuestro país

Alexánder Sánchez C. | asanchez@nacion.com
Miguel Gómez, director y productor de la película costarricense El cielo rojo, se encuentra en el país dándole los últimos detalles a su obra prima, que se estrenará el 8 de agosto en nuestro país.

Según lo confirmó Andrea Truque, productora de la cinta, hoy finalizarán los arreglos en el diseño de audio, única tarea pendiente para dar por terminada el titánico trabajo que implicó la producción.

“Ha sido un proceso duro, al principio pocos creían en nosotros y nos cerraron puertas, pero poco a poco se fueron convenciendo de la seriedad del asunto. Ahora, con la cinta terminada, pues hemos entrado más apoyo”, indicó Truque.

El cielo rojo se filmó y se produjo con un presupuesto de solo $4.000, una cifra muy baja en comparación con las producciones que usualmente se hacen en Latinoamérica.

“Yo decidí venir a filmar a Costa Rica para hacer las cosas bien. Recortamos los costos al máximo para poder realizarla y aprovechamos los recursos profesionales y técnicos que teníamos”, indicó Miguel Gómez, gestor del proyecto.

“Hemos trabajado con nuestro propios recursos, dando la vida por la película, buscando elementos y mostrando en la cinta un tico auténtico, conservando su forma de hablar y ser; su propia realidad. Esa es nuestra película”, agregó.

La historia. En locaciones como Palmares, Playa Esterillos, San Pedro, Escazú y Jacó, entre otros parajes de Costa Rica, toma forma la historia de cuatro amigos: Manuel, Roberto, Berny y Néstor.

Ellos se encuentran en una etapa en la que se enfrentan a lo mundano y a los cambios bruscos que conlleva llegar a la madurez.

Cuando la novia de Berny decide terminar con él, Berny comienza a dudar sobre sus planes de seguir la universidad en los Estados Unidos, con fuertes esperanzas de arreglar la relación.

Por otro lado, Manuel vive bajo el acecho de su mamá, quien lo interroga a diario buscando una respuesta que él no tiene y que lo mantiene en el medio de una crisis de identidad.

A esto se suma Néstor y Roberto, quienes tienen una perspectiva idealista que busca arreglar el país pero, al mismo tiempo, no se sienten capaces de lograrlo.

Durante el curso de los siguientes días, eventos clave en la vida personal de cada uno conspiran para complicarles su existencia y cambiar sus planes.

“Escribí el guión basado en historias que escuchaba cuando tenía como 18 años, historias que nos pasan a todos. Sobre todo en el contexto de la juventud costarricense”, explicó Gómez.

Algo destacable en El cielo rojo , es que ninguno de los actores principales es profesional en el área, por lo que se le intentó dar frescura y naturalidad a la producción.

La filmación de El cielo rojo se llevó a cabo en video de alta definición (HD), y en los cines costarricenses se proyectará en reproductoras de cine digital.

Además, la imagen de la cinta es remasterizada en los estudios Dart de Costa Rica, con el objetivo de brindar una mayor calidad al espectador. De la misma forma, el sonido de la cinta se adecúa a las condiciones reales de una sala de cine.

“Dart y su dueño, Vinicio Musmanni, nos han apoyado mucho en darle calidad al filme, por lo que hemos hecho pruebas en cine simulado para afinar algunos detalles”, agregó Gómez.

Según los productores de la cinta, Cinépolis (Terramall) y el Circuito de Cines Magaly (Multiplaza y San José), son las compañías que han confirmado la proyección de la cinta en agosto, y se espera en los próximos días la confirmación de otras compañías.

Revista Viva. periódico La Nación 10 mayo 2008.

Después de cuatro años de ausencia, Carrie, Samantha, Miranda y Charlotte están de vuelta. Sus historias se entretejen con la Manhattan de sus amores. Envueltas de glamour y destellos, ellas han regresado.

Inti Picado Ovares
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Este viernes llega a nuestras salas la versión cinematográfica de la exitosa serie de HBO Sexo y la ciudad. Con ello, Costa Rica se suma al frenesí­ que a escala mundial la cinta ha causado. Después de cuatro años de que su último capí­tulo saliera al aire -el 22 de febrero del 2004- las chicas más famosas de la Gran Manzana desplazaron a Indiana Jones y el reino del cráneo de cristal del primer lugar de recaudación el pasado fin de semana con la nada desdeñable suma de $55.7 millones de dólares (unos 27.850 millones de colones) -esto con sólo los datos recogidos en Canadá y Estados Unidos.
La trama
Desde que comenzaron los preparativos de la pelí­cula, la trama no ha sido un secreto: Carrie (Sarah Jessica Parker), por fin, se casará con el señor Big (Chris Noth) y alrededor de ello se teje el resto de la trama. La fórmula sigue intacta: Carry nos narra su propia historia de sexo, amor y fashion en la ciudad de sus amores: Nueva York. “Después de tantos años de vivir en la ciudad, presumo que si mis amigas y yo tenemos nuestro final de cuento de hadas, este será el final de la historia. Pero la vida real, siempre tiene un quiebre”, nos dice Carrie Bradshaw. Y, de alguna manera, su frase suena definitiva. Pero antes de ese epitafio anunciado está la propia pelí­cula.

Por supuesto que todas sus amigas -y con ellas sus problemas- están de vuelta. Así­, Samantha (Kim Cattrall), Charlotte (Kristin Davis) y Miranda (Cynthia Nixon) acompañaran a Carrie en su aventura hacia el altar. ¿Qué sucedera? Suponemos que habrá un final feliz, pero de todas formas, Sexo en la ciudad nos invita a inmiscuirnos en la vida de estas cuatro neoyorquinas. Y además -si esto no fuera suficiente- tenemos a la encantadora Manhattan, la ciudad que nunca duerme, la capital del mundo, el personaje del que Carrie jamás, en tantos años de idilio, se ha desenamorado.

periódico Vuelta en U 6 junio 2008.

Cuando llega el verano a los Estados Unidos nuestro paí­s se ve inundado de estrenos. Las grandes productoras aprovechan esos dí­as para estrenar sus más ambiciosos proyectos.

Adrián Fallas
afallas@vueltaenu.co.crEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla
El verano estadounidense es algo más que sol, calor y fiestas. Es la temporada en que se estrenan las megaproducciones de Hollywood, o la temporada de cintas malas como dice un amigo.
Pareciera que no hay que ser tan crí­tico con la temporada de cine de medio año. En una avalancha de estrenos, aquellos que gusten de disfrutar en la pantalla grande tendrán la oportunidad de ver todo tipo de cintas.
Desde la pelí­cula que dio el banderazo de salida, Iron man (estrenada el 30 de abril) hasta Juno, que llega al paí­s el próximo 22 mayo.
Pero la verdad es que en esta época del año la gran mayorí­a de las personas esperan ver pelí­culas como la del Hombre de Hierro.
Porque hay algo que no puede faltar en estos meses veraniegos: explosiones, ruido y muchas caras conocidas que regresan luego de varios años de estar adormecidas en el subconsciente colectivo.
Por ejemplo el Súper Agente 86, creado por el gran Mel Brooks, vuelve luego de varios años en el olvido. Se espera que con sus tonteras arrase en la taquilla y arranque millones de carcajadas por el mundo.
Otros viejos conocidos de la pantalla chica que desfilarán por los cine son Hulk, Mulder y Scully de los X-files y las neuróticas damas de Sex and the city.
Obviamente las continuaciones no podrí­an faltar. Un longevo Indiana Jones buscará seguir siendo el héroe más peligroso con un látigo y un sombrero en la cuarta edición de la saga.
Además, la segunda cinta de Narnia -que viene con el Principe Caspian-, La momia y Batman continuarán acaparando la imaginación de millones de seguidores.
Así­ que prepárese a disfrutar; porque el cine no siempre debe ser una prueba mental y, en estos meses, las producciones más esperadas de la temporada tocarán a la puerta.

periódico Vuelta en U 9 mayo 2008.

Gabriel Gutiérrez R.
gutgabriel@gmail.com

Iron-man, 2008.

Director: Jon Favreau;
Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Terrence Howard, Jeff Bridges
y Samuel L. Jackson.

Estados Unidos. Adaptación comic, superhéroe, acción. 126 minutos.

Tan sólida como el hierro

En la apertura de la película se escucha el potente fraseo de guitarra de la canción “Back in Black” de AC/DC, dando indicios de lo que será la experiencia cinematográfica de la primera película producida enteramente por Marvel.

Luego nos hacen una gran introducción de la vida de Tony Stark (Robert Downey Jr.) desde su juventud, que crea la imagen de hombre genio-millonario, algo así como un pseudo Howard Hawks traído a nuestra época. La caracterización del Stark se convierte en el pilar principal de “Iron-man”.

La soberbia actuación de Downey hace que se muestre en pantalla lo que siempre se ha querido reflejar del personaje en las páginas de los comics. Dio en el clavo con la personalidad de este héroe, convirtiéndose él en el verdadero Tony Stark.

Downey, con la ayuda del director
Favreau crea muchas circunstancias cómicas que no solo sirven como momentos de distensión entre las escenas de acción, sino también para mostrar la seguridad del personaje. Los soliloquios que mantiene Stark en su taller con los dos robots como acompañantes son una muestra de estas situaciones cómicas.

El origen de este héroe de hojalata fue cambiado de locación para ajustarlo a la actualidad. Originalmente, el multimillonario empresario de armas, era secuestrado en Vietnam. Fuera de este cambio todo lo demás se mantiene intacto. Acá se ve la afición y compromiso del director con este héroe.

“Batman Begins” (Christopher Nolan, 2004) estableció un parámetro nuevo en las adaptaciones del comic y “Iron-man” mantiene ese nivel. El héroe aparece luego de que Stark evoluciona como persona estando en cautiverio. Crea conciencia sobre el legado que ha dejado, donde sus armas son usadas para contraatacar a su propio país.

“No desperdicies tu vida” le dice su compañero de celda Yinsen y empieza a profundizarse en los pensamientos y dudas sobre la labor como dueño de una compañia creadora y distribuidora de armas. Posteriormente, crea a Iron-man para proteger a la gente que él mismo puso en el camino de sus armas.

La película fue creada con mucho realismo. Vemos el comercio y tráfico de armas así como los logos de la compañía Stark impresos en ellas. Otros elementos ayudan a crear un alto nivel de verosimilitud que nos permite creer que esto puede suceder. La hamburguesa de Burger King o la periodista de la revista Vanity Fair son marcas que nos dicen que la película está sucediendo en nuestro mundo. Un contexto muy sólido para un héroe que no tiene súper poderes, sino que nace de la mente y “corazón” de una persona.

La dirección es meticulosa en todos sus detalles. El diseño visual de la película combina elementos ficticios del comic –objetivamente- con elementos de la realidad.

El manejo de las cámaras va acorde con la acción, en especial cuando se toma el rostro de Stark dentro del casco de Iron-man, jugando un rol muy importante en la experiencia del espectador.

Respecto a los efectos especiales no hay mucho de qué hablar, son impresionantes. Los trajes mantienen el mismo nivel. Se ven auténticos con gran precisión en el detalle. “Iron-man” se cae un poco en el último tercio de la película. Al parecer se tomo en serio lo dicho por Stark, “A veces hay que correr antes de caminar” para la pelea final. Es un poco anticlímax, pero termina siendo una pequeña falla que no resta calidad a la película como un todo. El compromiso mostrado por el director da esperanzas de que se supere el nivel en la secuela, porque existen muchos elementos que se pueden explorar en la vida de Stark. Parece que impregna la película de la misma actitud que tiene la canción “Ironman” de Black Sabbath. Así que, como dice Rhodey (Terrence Howard) al ver la armadura Mark II, “Next time, baby”. Ahora inicia la agobiante espera por la segunda entrega en 2010.

Muy recomendada
Revista Abanico. periódico LaPrensa Libre 8 mayo 2008.

Un cuento de un Carlos Salazar Herrera adquirió movimiento en el proyecto de graduación de dos estudiantes de la Veritas.

Monserrath Vargas López
movargas@vueltaenu.co.crEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla
Con la idea de rescatar los elementos culturales que caracterizan al costarricense, los estudiantes de Animación Digital Carlos Ramí­rez y Marcos Ruiz asumieron el reto de adaptar el cuento de un autor tico, para convertirlo en un corto animado y así­ presentarlo como trabajo final de graduación.
La montaña es el tí­tulo de esta historia escrita por Carlos Salazar Herrera y publicada en sus Cuentos de angustias y paisajes.
Producción del corto
Elaborar la propuesta demandó horas de trabajo e investigación por parte de los universitarios.
Debido a que se plantearon rescatar elementos costarricenses dentro del cortometraje, procuraron echar mano de la simbologí­a y se esmeraron en que los objetos y los rasgos de los personajes remitieran a caracterí­sticas culturales propias del paí­s.
La historia original habla de dos hombres que reclaman un terreno, sin embargo ellos modificaron el relato: le agregaron el elemento femenino y pusieron a los protagonistas del cuento a perseguir un coyote.
Para hacer la propuesta visual de los personajes y los ambientes en los que se iban a desenvolver, consultaron los grabados de Carlos Salazar Herrera. En ellos encontraron influencia del expresionismo alemán.
Esta tendencia, según comentó Carlos Ramí­rez, se enfocaba más en el área afectiva y trataba de representar la realidad de una forma menos rí­gida. Por eso decidieron deformar las figuras humanas y los movimientos presentes en su corto, además de utilizar luz de alto contraste.
Trascendencia
Los dos creadores del audiovisual consideraron que para desarrollar propuestas de este tipo se debe tener mucha tenacidad, pues son proyectos que requieren perseverancia.
Los universitarios manifestaron que serí­a interesante despertar el interés por cortometrajes como este en el Ministerio de Cultura, por ejemplo.
Asimismo, consideraron el proyecto como una iniciativa propicia para que los jóvenes costarricenses conozcan la literatura del paí­s
periódico Vuelta en U 2 junio 2008.

Una pasión que va más allá de los lí­mites del espacio o de la vida cotidiana

Andrea Méndez Montero
anmendez@vueltaenu.co.crEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla
Su afición por el mundo mostrado en los seis episodios de Star Wars los hizo darse cuenta de que tení­an que traer a la realidad la vida de la galaxia.
Primero hubo sólo unos pocos, pero con el tiempo fueron más los que descubrieron que aunque estaban fí­sicamente en la Tierra, alguna parte de ellos pertenecí­a al resto del universo.
Esa perspectiva comenzó como un fenómeno que se propagó por varios paí­ses del mundo hasta que el año pasado se oficializó en Costa Rica, con la presencia de un grupo consolidado de starwarianos ticos. Ellos se autodenominan así­.
El inicio
Hace algún tiempo solo se conocí­an de vista, producto de alguna coincidencia en el estreno de una pelí­cula o en alguna actividad realizada de vez en cuando para aficionados.
En medio de este panorama Luis Diego Carazo, médico, pensó en ir más allá de las posibilidades que tení­a un aficionado común en ese momento y dio inicio al movimiento para formar parte de la legión oficial de seguidores alrededor del mundo.
Pero la aspiración no era nada sencilla, pues para que el deseo se consolidara requerí­a la autorización del comando central ubicado en Estados Unidos. Esto implicaba ser propietario y portador de un traje de calidad profesional de los personajes de la pelí­cula y enviar una serie de fotografí­as detalladas que corroboraran el cumplimiento de lo establecido.
Carazo llevó a cabo todo el proceso y así­ comenzó la legión tica, a la que pronto se sumaron otros que compartí­an su gusto.
Comandos
Tal y como sucedió en la pantalla grande, los starwarianos ticos se dividieron en dos bandos.
De un lado estaban quienes representarí­an a la Legión 501, que reúne a los personajes malvados de la pelí­cula. Por otro lado surgió la Legión Rebelde, que es la respuesta al nacimiento de la representación imperial (la legión 501) y es el grupo de los buenos.
Pero lejos de la rivalidad que exigen sus papeles, ambas partidas conforman un solo grupo que une a 13 jóvenes que comparten su afinidad.

Parte de la Legión
Más allá de conocer las pelí­culas de memoria y coleccionar figuras, comics y libros de la serie, ellos han interiorizado el relato de la saga en su vida cotidiana.
Se mantienen en contacto con seguidores de otros paí­ses y realizan una constante búsqueda de productos que les puedan revelar más secretos de su historia favorita.
Pero sin duda el vestuario es uno de los aspectos más importantes para ellos, por lo que invierten grandes sumas de dinero en la elaboración y compra de sus trajes, que en muchos casos deben traerse de otros paí­ses.
En algunas ocasiones la interpretación de los papeles implica más que gusto por un personaje y exige una adaptación a su apariencia fí­sica, como en el caso de Alberto Muñoz, un ingeniero informático de 29 años quien tiene que dar un tono dorado a su barba y cabello para interpretar su papel como Obi-Wan Kenobi.
Con algunos trajes el esfuerzo es mayor pues el uso por varias horas los deshidrata, o bien en otras oportunidades tienen que hacer un sacrificio para poder usarlos, como le sucede a Eduardo Jara, de 28 años, quien ha perdido 20 kilogramos para poder utilizar un atuendo de caballero Jedi.
Sus llamativos trajes los han llevado a participar de actividades dentro y fuera del paí­s, en donde comparten con el público aunque sea menos aficionado que ellos a Star Wars. Aseguran que los niños siempre les piden fotografí­as.
Lejos de recibir dinero (lo que es prohibido por el comando central), los seguidores de la saga tienen otro propósito, sentirse satisfechos de causar una sonrisa y disfrutar juntos de su gran pasión.
periódico Vuelta en U 5 mayo 2008.

La pelí­cula del brasileño Fernando Meirelles, Ensayo sobre la ceguera, será la encargada de abrir el Festival de Cannes.

Inti Picado Ovares
ipicado@vueltaenu.co.crEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla
El nuevo largometraje de Fernando Meirelles, Ensayo sobre la ceguera, participará en el Festival de Cine de Cannes 2008 que se llevará a cabo del 14 al 25 de mayo en Francia. La cinta fue filmada durante el 2007 en locaciones de tres diferentes paí­ses -Canadá, Uruguay y Brasil-. La pelí­cula es una coproducción de Brasil, Japón y Canadá y reúne a un elenco internacional de renombrados actores, entre los que destacan Julianne Moore, Mark Ruffalo, Alice Braga, Gael Garcia Bernal y Danny Glover.
La pelí­cula -basada en el libro homónimo del escritor José Saramago- es el quinto largometraje de Fernando Meirelles para el cine, después de Ciudad de Dios y El jardinero fiel, pelí­culas aclamadas por la crí­tica y el público de todo el mundo.
Según Meirelles, “hace 15 dí­as fuimos colocados en una especie de limbo con respecto a Cannes. Hubo una invitación para que Ensayo sobre la ceguera abriera el festival, pero para mi gran sorpresa, el distribuidor francés no aceptó. Ellos creí­an que la pelí­cula deberí­a estar dentro de la competición, sólo que en Cannes, generalmente, las pelí­culas que abren el festival no compiten. Así­ nos quedamos en un punto muerto. Finalmente, después de hacer y deshacer compromisos se hizo una excepción y exhibiremos la pelí­cula también dentro de la competición.
“Sé que Ensayo sobre la ceguerano es la pelí­cula más adecuada para preceder un coctel y una fiesta y también sé que algunas personas se sentirán incómodas con la historia, a pesar de no haber nada que se pueda llamar de mal gusto en la pelí­cula. De cualquier manera ya estoy preparando a mi espí­ritu para recibir posibles ataques.
“En el año 2003 dije que una ola de cine latinoamericano estaba formándose y confieso que me frustré un poco los años siguientes por no sentir confirmarse esta sensación. Finalmente, al ver los 21 filmes latinoamericanos en Cannes, empiezo a creer que aquella ola finalmente está surgiendo y que está mostrando su cara, tomando su forma”, expresó.
periódico Vuelta en U 5 mayo 2008.

Memorable ‘El clavel negro’ recuerda la conducta solidaria del diplomático Harald EdelstamCineLa tarea del héroe

Jurgen Ureña Arroyo | jurgenurena@yahoo.com
El cine de militancia política parece haber recuperando parcialmente el protagonismo que ostentó durante los años 60 y 70, a pesar de las reservas de un nutrido sector de la crítica inclinado hacia el cine de autor contemporáneo.

De la generación de cineastas caracterizada por una estética realista y comprometida, destacan aún las figuras de Gianni Amelio, Constantin Costa-Gavras y Ken Loach, galardonado recientemente con la Palma de Oro del Festival de Cannes por la película El viento que mece la cebada (2006).

Recientemente, el director sueco Ulf Hultberg se ha perfilado como un candidato meritorio para ingresar en la pequeña cofradía del cine comprometido, gracias a El clavel negro (2007). El filme, que ha sabido hermanar las buenas costumbres del documental con los malos días del totalitarismo político, fue estrenado en tierras europeas el 11 de septiembre del año pasado, por razones muy lejanas a la simple y caprichosa casualidad.

Recurrencias. Santiago de Chile, 11 de septiembre de 1973. El golpe militar encabezado por el general Augusto Pinochet conduce a la muerte del presidente Salvador Allende. Los dramáticos y decisivos acontecimientos de aquellos días quedan registrados detalladamente en La batalla de Chile , documental dirigido por Patricio Guzmán y compuesto por tres episodios, estrenados entre 1975 y 1979.

Tres años después, el director Constantin Costa-Gavras filma Desaparecidos (1982), película precisa y conmovedora, obra modelo del llamado ‘ thriller político’, que estimula entre la cinefilia internacional el debate sobre la dictadura chilena.

Por su parte, Ulf Hultberg sigue de cerca las lecciones del cineasta griego y, con El clavel negro, erige una apología cinematográfica por la resistencia y el compromiso político.

El telón de fondo es de nuevo la ciudad de Santiago durante los días posteriores al golpe de Estado. El protagonista es Harald Edelstam, el embajador sueco que arriesga su vida y salva de la muerte a más de un millar de personas.

En apariencia, Edelstam es un diplomático como cualquier otro, enviado al extranjero con la misión de repartir sus días entre la firma de documentos y el consabido brindis por la paz del mundo. Sin embargo, su conciencia lo empuja a descubrirse como una figura decisiva en medio de la conmoción que estalla a su alrededor.

Vidas ejemplares. La tradición occidental propicia la visión del héroe como un ser dotado de características singulares, que lo diferencian decididamente de sus congéneres. Esta perspectiva ha prevalecido y prevalece hasta hoy en el biopic, término que deriva de la conjunción de las palabras ‘biographical pictures’.

Así puede comprobarse en los numerosos filmes hechos sobre las vidas de Alejandro Magno, Napoleón, Lenin o Hitler.

Durante los últimos años, la tendencia ha cedido algún terreno al descubrimiento de los héroes anónimos, mucho más cercanos en su caracterización a nuestra cotidianidad, aunque provistos de una determinación que los induce a actuar de forma decisiva en circunstancias especiales.

Como la película fundadora de esta variante, usualmente se considera a La lista de Schindler (1993), filme que recuerda al empresario que rescató de la muerte a más de mil prisioneros judíos. Algunos cinéfilos esforzados han encontrado un precedente clásico en El diario de Ana Frank (1959), dirigido por el injustamente olvidado George Stevens.

El modelo sugiere una cierta continuidad: Hollywood prepara otro biopic de rasgos similares a La lista de Schindler y El clavel negro , sobre la polaca Irena Sendler, quien salvó a más de dos mil niños del Gueto de Varsovia.

Simetrías. Ulf Hultberg es un cineasta formado en los territorios del documental, aunque quizás deba considerarse más bien un retratista que ejerce el oficio del cineasta. Su anterior largometraje , titulado La hija del puma (1994), despliega el esbozo biográfico de la activista guatemalteca Rigoberta Menchú.

Las simetrías entre La hija del puma y El clavel negro residen además en la búsqueda de una imagen realista, lo que lleva a Hultberg a filmar la primera película en los campamentos ubicados en Chiapas, y a proponer el rodaje de El clavel negro en aquellos lugares donde ocurrieron los hechos representados.

Esta particularidad confiere al filme desarrollado en torno a Edelstam, una atmósfera densa, en algunos pasajes incluso fantasmagórica, lo que resulta particularmente notorio en las secuencias filmadas en el Estadio Nacional chileno, donde los militares concentraron a miles de opositores, quienes luego fueron torturados, murieron o desaparecieron.

Paradojas. Conforme avanzan los primeros días de la férrea dictadura de Pinochet, Harald Edelstam se desprende de su confortable traje de diplomático y redescubre su excepcional espíritu solidario. La ecuación es sencilla: el embajador ayuda a escapar de la muerte a miles de latinoamericanos, hasta el punto de quedar fuera de los códigos de lealtad dictados por su país.

De esa manera, Edelstam pierde su patria a la vez que reconquista su dignidad. En la aceptación de esta paradoja descansan su impetuosa tarea y su condición de héroe.

¿Qué mayor pertinencia se le puede pedir a un filme como este, en tiempos en que el ejercicio diplomático se parece demasiado a una compra y venta de rango internacional? ¿Quién encuentra las siete diferencias entre los postulados de la diplomacia contemporánea, y aquellos intereses que regían el turbio universo de Por unos dólares más (1965)?

Con El clavel negro, Ulf Hultberg ha dirigido un filme de clara vocación solidaria y humanista. “Demasiado humano”, dirán seguramente aquellos cinéfilos acostumbrados al preciosismo hueco de la alta industria cinematográfica. “Demasiado escaso”, dirán, satisfechos, aquellos espectadores que disfrutan de las paradojas y del cine que invita en igual medida al pensamiento y al compromiso.

Suplemento Áncora. periódico La Nación 1 junio 2008.