RESONOCO

Por: Gabriel Gutiérrez R.
gutgabriel@gmail.com

Nuevo año, nuevas expectativas de películas y nuevos deseos hacia las distribuidoras de cine del país:
Que este nuevo año las películas nominadas a premios no sean estrenadas meses después de los premios Oscar; no tener que esperar más de dos meses entre estreno de película en Estados Unidos y Costa Rica (ojala el TLC ayude); que se estrene más de dos películas por fin de semana.

Sin más de por medio ésta es una crítica de una película estrenada el 12 de setiembre en Estados Unidos, aún a esperas de su estreno en las salas costarricenses. Para quienes desean iniciar el año viendo buen cine, pueden conseguir la cinta en su videoclub más cercano.

Humor tan negro como el carbón
Los hermanos Coen son especialistas en sobresalir en cuál género en que se embarquen. El año pasado “Sin lugar para los débiles” arrasó en toda la temporada de premios, con un drama muy fuerte y personajes únicos.

En la crítica de dicha película mencioné que los Coen son especialistas en crear personajes caricaturescos, pero que a la vez parecen muy reales. En “Quémese después de leerse” son seis personajes principales, todos caricaturescos y de accionar incoherente. A cada uno le vierten características tan específicas que con solo verlos se puede intuir como son.

Junto a esto, la absurdez de la trama hace que el espectador se quede frio ante la historia. Es una oda a la idiotez, donde cada circunstancia en que se encuentra el personaje, cada línea de dialogo, cada personaje mismo muestra un nivel alto de idiotez.

Empecemos con Chad, el personaje interpretado por Brad Pitt. Un cabeza hueca de primera. Luego está su compañera Linda, obsesionada con buscar dinero para realizarse una cirugía plástica en casi todo el cuerpo; George Clooney como Harry, va creando de principio a fin una linealidad de idiotez que explota al final de la cinta; finalmente Osbourne Cox, referente numero uno de la película en cuanto a lo que representa la misma.

Se podría decir que la cinta es una crítica a las cirugías plásticas, la infidelidad, la CIA e incluso a los gimnasios, pero la manera en que se abordo toda la temática hace que se dude si la cinta tenía una razón de ser más que contar una historia de espías, ridiculizarlos al punto de que se pierda la idea de que es una película de espías.

En una entrevista, los hermanos Coen afirmaron que crearon los personajes primero que la historia misma y con los actores en mente. Esto solo demuestra la tesis de que ellos trabajan primero con los personajes, los pulen hasta convertirlos en el vehículo que impulsa la historia. Son más que la trama misma y sin alguno de ellos la historia no sería igual. Son personajes en desgracia donde podría identificarse muchas de las características que tienen los humanos en el fondo.

Es un humor fino; tan fino que penetra en la cabeza y deja al espectador pensando al final de la película. Es un humor negro que perdura para al final pensar ¿qué fue eso? Y esa misma pregunta creara más humor, porque es una película sin significado alguno.

Lo novedoso en la dirección de los Coen es la incorporación de Emmanuel Lubetzki, el gran cinematógrafo detrás de “Los niños del hombre” (Alfonso Cuarón, 2006), “El nuevo mundo” (Terrence Malick, 2005), entre otras. Fuera de esto, el uso de la cámara estática se mantiene como la firma característica de estos hermanos.

Toda la película se resume con la última línea del oficial superior de la CIA (interpretado de gran manera por J. K Simmons):
“¿y qué aprendimos Palmer?...

Yo tampoco sé, imagino a no hacerlo de nuevo…
Aunque no sé qué hicimos, pero…”

Es humor del bueno, del absurdo, del ridículo… del verdadero.

Muy recomendado

Título original: Burn After Reading. Director: Joel Coen y Ethan Coen. Productor: Joel y Ethan Coen. Distribución: Focus Features. Guión: Joel y Ethan Coen. Cinematografía: Emmanuel Lubetzki. Música: Carter Burwell. Montaje: Robert Jaynes. Intérpretes: John Malkovich (Osbourne Cox), Frances McDormand (Linda Litzke), Brad Pitt (Chad Feldheimer), George Clooney (Harry Pfarrer), Tilda Swinton (Katie Cox), Richard Jenkins (Ted Tredffon), J.K Simmons (Superior de la CIA). Duración: 96 minutos. País: EE.UU. Año: 2008. Género: Humor negro.
Reavista Abanico. periódico La Prensa Libre 8 enero 2009

Gabriel Gutiérrez R.
gutgabriel@gmail.com

Abuso de cursilería

“Bella” es un caso interesante porque refleja las diferentes percepciones que el público puede tener de un filme.

Cuenta la historia de Nina, una camarera de un restaurante mexicano que es despedida luego de tres llegadas tardías. José, el chef del restaurante y hermano del dueño, se compadece de ella y le pregunta por su estado; está embarazada. Él decide acompañarla para que no pase el día sola.

Hasta este instante la trama marcha bien. Por medio de “flashbacks” se muestra una vida muy diferente de José, en la cual era un jugador profesional de futbol. Esa escena no se llega a completar, dejando sin claridad el suceso que genera un cambio en la persona de José.

Durante una escena de almuerzo entre José y Nina se presenta un “flash forward” (escenas que suceden en un futuro cercano) que junto a las escenas de la vida pasada de José empiezan a tejer una historia que va mas allá de mostrar “un día para recordar por la ciudad de Nueva York”.

La película lleva aproximadamente 30 minutos.

De una escena a otra, el argumento de “Bella” se vuelve sumamente flojo. Cae en lo novelero y en la “ganga de sentimentalismo” que tanto gusta el espectador. Se crean escenas y personajes que no proveen nada a la historia, como por ejemplo el hermano menor de José. También se devela el misterio detrás del pasado de José de una manera muy simple y rápida.

La leyenda del afiche de la película, “Un mensaje lleno de esperanza”, deja la sensación de creer que los guionistas se reunieron, pensaron un tema entorno al aborto, y uno de ellos dijo: “la película debería tener un mensaje lleno de esperanza”. Después de esto armaron un guión para hacer una burda historia novelera sentimental con un mensaje tan evidente que se pierde la moraleja del mismo.

Los primeros 30 minutos de “Bella” aspiraban a contar una historia penetrante y dejar un mensaje claro. Todo quedó en buenas intenciones. La cargaron innecesariamente de información y forzaron escenas.

Al afirmar que “Bella” es un caso interesante es porque mucha gente se deja llevar fácilmente por el sentimentalismo de la trama. Es una película que utiliza la manipulación del sentimiento como el pilar principal, y no como una herramienta secundaria que va después de la construcción de los personajes y de la historia. Esa carencia hace que el espectador crítico no se compenetre con José y Nina y todo ese sentimentalismo queda como un exceso.

Además, la actuación de Eduardo Verástegui es sumamente mala. Es una actuación tiesa. Se esconde detrás de una barba y por dicha lo hace, porque sino el resultado final hubiese sido mucho peor.

A quien le gusten las gangas de sentimentalismo, le encantará esta película tanto como a los espectadores que le dieron el “Premio de la audiencia” en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

Los que busquen un abordaje crítico y social sobre el aborto, que gusten de un sentimentalismo que va en función de la una historia inteligente y de personajes atrayentes, esta película es mejor:
Omitirla
Título original: “Bella”. Director: Alejandro Gómez Monteverde. Productor: Sean Wolfington, Eduardo Verástegui, Alejandro Gómez Monteverde. Distribuidor: Lionsgate. Guión: Alejandro Gómez Monteverde, Patrick Milton, Leo Severino. Cinematografía: Andrew Cadelago. Música: Stephen Altman. Edición: Joseph Gutowski y Fernando Villena. Intérpretes: Eduardo Verástegui (José), Tammy Blanchard (Nina), Manny Pérez (Manny). Duración: 91 minutos. País: Estados Unidos. Año: 2007. Género: Drama .

Revista Abanico. periódico lA Prensa Libre 9 octubre 2008.

Los Falsificadores (The Counterfeiter)
Basado en en el libro "The Devil's Workshop”. La verdadera historia de Salomon Sorowitsch, falsificador extraordinario y bohemio. Tras ser enviado a un campo de concentración alemán en 1944, acepta ayudar a los Nazis en una organizada operación de falsificación diseñada para ayudar a financiar el esfuerzo bélico. Se trató de la mayor estafa de la historia. Se imprimieron más de 130 millones de libras esterlinas, en unas condiciones que no podían ser más trágicas o espectaculares. Durante los últimos años de la guerra, como el Reich alemán veía que el final estaba cerca, las autoridades decidieron producir sus propios billetes en las divisas de sus principales enemigos de guerra. Su objetivo era utilizar el dinero falso para inundar la economía enemiga y rellenar las vacías arcas de la guerra.

En el campo de concentración de Sachsenhausen, se aislaron dos barracones del resto del campo y del mundo exterior para transformarlos en un taller de falsificación perfectamente equipado. Había nacido la "Operación Bernhard". Se trasladó a prisioneros desde otros campos hasta Sachsenhausen para poner en práctica el plan: tipógrafos profesionales, meticulosos banqueros y sencillos artesanos, que pasarían a formar parte de un comando de falsificadores de alto secreto. Podían elegir: si colaboraban con el enemigo, tendrían una posibilidad de sobrevivir, ya que sería prisioneros de primera clase en una "jaula de oro " con suficiente comida y una cama donde dormir. Si saboteaban la operación, les esperaba una muerte segura. Para LOS FALSIFICADORES, no era sólo una cuestión de salvar sus propias vidas, sino también de salvar sus conciencias...

Dirección: Stefan Ruzowitzky /Reparto: Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Dolores Chaplin, August Zirner, Marie Bäumer / Género: Drama / Thriller.

tomado de www.cinemanía.co.cr

TITULO ORIGINAL Hellboy 2: The Golden Army (Hellboy II: The Golden Army)
AÑO 2008 Ver trailer externo

DURACIÓN 110 min. Trailers/Vídeos

PAÍS
DIRECTOR Guillermo del Toro
GUIÓN Guillermo del Toro (Cómic: Mike Mignola)
MÚSICA Danny Elfman
FOTOGRAFÍA Guillermo Navarro
REPARTO Ron Perlman, Selma Blair, John Hurt, Doug Jones, Jeffrey Tambor, Ladislav Beran, Luke Goss, Anna Walton
PRODUCTORA Universal Pictures
WEB OFICIAL http://www.hellboy-lapelicula.es/
GÉNERO Y CRÍTICA

Más información Fantástico. Acción. Thriller. Ciencia-Ficción. Cómic. Secuela / SINOPSIS: Tras la ruptura de un acuerdo milenario entre la humanidad y los poderes invisibles de un mundo fantástico, el infierno en la Tierra está cada vez más cerca. Un líder despiadado, que se maneja tanto en el mundo de los humanos como en el de las criaturas, decide traicionar a sus ancestros, y despierta a un ejército imparable de criaturas diabólicas. Ahora, en este momento de debilidad, el superhéroe más duro deberá combatir contra el imparable líder y su ejército. Es rojo, caliente e incomprendido… es Hellboy (Ron Perlman). Junto a su equipo habitual de la Agencia de Investigación y Defensa Paranormal, la piroquinética Liz Sherman (Selma Blair) y el anfibio Abe Sapien (Doug Jones), y contando esta vez con el protoplásmico y místico Johann Kraus, Hellboy viajará entre los dos mundos, haciendo frente a las versiones corpóreas de los seres invocados desde el mundo de fantasía. Hellboy, que pertenece a los dos mundos, deberá elegir entre la vida que conoce y el desconocido destino que le reclama. (FILMAFFINITY)
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"Iguala en todos los aspectos a la original 'Hellboy' (2004), aunque quizá un poco más ruidosa; es otra celebración del amor de Del Toro por la fantasía bizarra y las máquinas diabólicas. (...) Puntuación: ***1/2 (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"En resúmen el conjunto resulta pulp, cachondo, a ratos emocionante y frecuentemente sin sentido: un gran lío y, sobre todo, mucha diversión." (A.O. Scott: The New York Times)
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"Extremadamente imaginativa y consistentemente entretenida, sin pretensiones. (...) Puntuación: *** (sobre 4)." (Claudia Puig: USA Today)
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"Una gozosa montaña rusa de inagotable invención (...) El secreto de Del Toro está en prestar tanta atención a lo desmesurado como a lo minúsculo. Todo arrebata en Hellboy II" (Jordi Costa: Diario El País)
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"Más que digna, por momentos brillante (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Federico Marín Bellón: Diario ABC)
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"Una película fantástica, en todos los sentidos, y dos horas trepidantes que se consumen en un suspiro. (...) Visualmente, el filme es apabullante (...) un desbordante y muy gamberro sentido del humor (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Alberto Luchini: Diario El Mundo)
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tomado de: filmafiniy.com

El libro Noticia de un secuestro, del ganador del Nobel de Literatura Gabriel Garcí­a Márquez, se filmará el próximo año. El estreno de la cinta se espera para el 2010.

Tinta cinematográfica.

AFP
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“Era, en efecto, el automóvil de Maruja. Habí­a transcurrido por lo menos media hora desde el secuestro, y sólo quedaban los rastros: el cristal del lado del chofer destruido por un balazo, la mancha de sangre y el granizo de vidrio en el asiento, y la sombra húmeda en el asfalto, de donde acababan de llevarse al chofer todaví­a con vida. El resto estaba limpio y en orden...”, versa un fragmento de la novela del colombiano Gabriel Garcí­a Márquez que será llevada al cine por el joven director mexicano Pedro Pablo Ybarra.
El filme, que será el debut de Ybarra, verá la luz en el 2010.
“Miedos, todos. No es como las otras pelí­culas que se han realizado de él, que tienen el realismo mágico”, confesó Ybarra en una rueda de prensa en el marco del I Congreso de Cultura Iberoamericana.
Cómo y cuándo

El rodaje de la cinta, cuyo reparto no está decidido, iniciará en el segundo trimestre del 2009 para que se pueda estrenar un año después. Será una coproducción mexicana (Argos), argentina (Costa Films), española (Filmax) y colombiana (Caracol Televisión) con un presupuesto preliminar de 6,5 millones de dólares.
Según los productores, este es el momento adecuado para ofrecer Noticia de un secuestro en imágenes debido a la mayor visibilidad actual del narcotráfico, que desafí­a a las sociedades y gobiernos latinoamericanos.
“Este tema es universal. Esta investigación periodí­stica que hace Garcí­a Márquez podrí­a estar narrando algo de México. Está sucediendo lo mismo, es actual y terrible”, dijo Gayán.
El novel realizador se refirió a los altos í­ndices de violencia que está sufriendo su paí­s, donde este año ya se han cometido más de 3.000 asesinatos y centenares de secuestros.
El libro de Garcí­a Márquez, publicado en 1996, narra el secuestro y cautiverio de la periodista colombiana Maruja Pachón, perpetrado en 1990, y de otras diez personas que también fueron plagiadas por el cartel de Medellí­n, de Pablo Escobar.
periódico Vuelta en U 8 octubre 2008.

Gabriel Gutiérrez R.
gutgabriel@gmail.com

Quiero Creer… que X-Files quedara en el pasado.

Nuevamente se nos presenta una película basada en una serie de televisión, “Los Expedientes secretos X”. Esta serie no es nueva en realizar largometrajes ,dado a que en 1998 realizaron su primera película.

Han pasado 6 años desde que concluyó la serie, con ratings muy bajos hacia el final de su producción y nuevamente se saca del baúl de los recuerdos la serie.

Este relanzamiento va muy bien con el título de la película, “Quiero Creer”, porque:
Quiero creer que la película pudo aspirar a más, a partir de lo creado en la series.

Quiero creer que la historia de la invasión de extraterrestres era más atractiva que la historia de roba-órganos-para-trasplantes-de-cabeza.

Quiero creer que el final de la película no es tan anti-clímax como este.

Quiero creer que “Los Expedientes secretos X” van a quedar como una de las series más originales que se han realizado, a pesar de esta cinta.

Sin embargo, no es suficiente querer creer algo cuando esta película carece de ideas claras, además de alejarse mucho de lo que fue la serie e incluso la primera película originalmente.

Se repite el típico creyente/incrédulo de eventos paranormales, pero en la formula se metió la religión y la ciencia. Tantos micro temas alejan al espectador de la historia central, la cual buscaron unir infructuosamente hacia el final de la película. Fue tanto lo que querían hacer creer al espectador que al final el escepticismo cae como norma; no de la trama, sino de cómo puede hacer películas sin un norte definido cuando ya hay una “cola que majar”.

Es un thriller/miedo que no es ni una ni otra. Introducen un grupo nuevo de agentes que siguen el patrón de Fox Mulder (creyente)- Dana Scully (incrédula), la creyente Dakota Whitney y el incrédulo agente Mosley. Pero no se profundiza.

Lo triste es la carencia de ideas de lo que en su momento fue uno de las series con mayor grado de innovación semanal. Con dos personajes muy atrayentes, aterrizados en un mundo donde la incredulidad era el común y Mulder terminaba como el “otro”; la única persona que creía en lo que los otros no creían.

Daba para mucho si los productores y escritores hubieran hacho algo independiente de la serie. Actualizan a los personajes y crean una historia de terror ambientada a la realidad actual, con temáticas que pueden involucrar al gobierno y muchos elementos fuera de lo común. Algo que hicieron con la serie y lo olvidaron con ésta película.

Es una lástima para los fanáticos de la serie, yo incluido.

Si se considerara como una película independiente de una serie también fracasa La historia deja muchos vacios; tiene gran cantidad de temas que no logra amarrar; trata de tocar temas que solo lo hace por encima; es lenta; y su final carece de emoción o suspenso alguno.

Acá se hace cierto el adagio de “quien escarba el pasado se ensucia las manos”.

OMITIR

Titulo: X-Files: I want to Believe. Director: Chris Carter. Productor: Chris Carter, Frank Sponitz. Producción: 20th Century Fox. Guión: Frank Sponitz, Chris Carter. Cinematografía: Bill Roe. Música:Mark Snow. Montaje: Richard Harris. Interpretes: David Duchovny (Fox Mulder), Gillian Anderson (Dana Scully), Mitch Pileggi (Walter S. Skinner), Amanda Peet (Dakota Whitney), Billy Connolly (Father Joseph), Xzibit (Agent Mosley). Duración: 100 minutos. País: EE.UU. Año: 2008. Género: Thriller, suspenso .
Revista Abanico. periódico La Prensa Libre 31 julio 2008.

Después de su exitoso debut cinematográfico, el joven director no se detiene y trabaja, entre otras cosas, en un video y una nueva pelí­cula.

Inti Picado Ovares
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En medio del trají­n que implica la preparación de su próxima pelí­cula, El fin, el director costarricense Miguel Gómez nos habló de su enriquecedora experiencia con El cielo rojo, su ópera prima.
-¿Cuánto tiempo estuvo en cartelera?
- Fueron 8 semanas y la vieron más de 8.000 personas, que es un buen número, porque de esos 2 meses estuvo durante 6 semanas en una única sala, que siempre estuvo repleta. Al final, tuvimos una muy buena ganancia.
-¿Cómo surgió la posibilidad de tener El cielo rojo de vuelta en la pantalla?
-A nosotros nos han escrito un montón, gente que no pudo verla por cuestiones de tiempo y trabajo, y cuando apareció en el Festival de cine latinoamericano en el Cine Variedades, los dueños de esa sala se nos acercaron y nos ofrecieron la sala por una semana, hasta el jueves 6 de noviembre, que es cuando comienza la Muestra de cine y video.
-¿Cuándo podemos esperar El cielo rojo en formato de DVD, y qué extras traerá el material?
-Justamente la semana pasada tuvimos la reunión en donde se definió casi todo lo del DVD. Éste va a salir en diciembre, probablememte sea triple; uno con todas las extras, otro con la pelí­cula con subtí­tulos y otro con el soundtrack, aunque este último punto lo estamos viendo porque hay una disquera interesada en sacar el disco, así­ que tenemos que reunirnos con todos los músicos que participaron para ver si a ellos les interesa.
-Además de todo lo relacionado con el DVD de El cielo rojo, ¿ en qué otras cosas estás trabajando?
-Estoy trabajando en la preproducción de un video para Gandhi, de una canción que se llama Ondularte, que viene en el nuevo disco. Voy a filmar unas pruebas de unos efectos especiales para ese video.
“Un corto mí­o va a estar en la Muestra. Se llama The end, y lo filmé hace tres años en la primera escuela de cine en la que estuve, es en inglés, con actores gringos. Es en cierta forma el nacimiento de la nueva pelí­cula que voy a filmar, que se llama El fin, que entrelaza varias historias del fin del mundo. También hablé con el escritor Fernando Contreras para ver si hacemos algo con su novela Los peor”.
-¿En qué etapa estás con El fin?
-Ya terminé el guión, voy a revisarlo un poco de aquí­ a enero y ese mes haré un casting, harí­amos bastantes ensayos en mayo y comenzarí­amos a filmar en junio. También puedo adelantar que va a tener música nacional.
Detalles
$4.000
Eso costó hacer El cielo rojo, el primer largometraje de Gómez.
$25.000
Esa cifra será la que se invertirá en El fin, que podremos ver en los cines en el 2009.

periódico Vuelta en U 3noviembre 2008.

Gabriel Gutiérrez R.
gutgabriel@gmail.com

Un camino sin brújula

Las primeras tomas de “El camino” nos muestran un paisaje agreste y dos niños caminando. Estos son Saslaya y Darío.

La siguiente toma nos transporta a una escuela improvisada, donde los niños aprenden la historia precolombina de los nicaragüas. Seguidamente contemplamos el basurero La Chureca, el lugar de trabajo de Saslaya y Darío. Finalmente su casa en Acahualinca, donde viven con su abuelo.

Hasta este instante nos exponen la vida de ambos protagonistas con el agregado de que Saslaya es abusada por su abuelo.

Este primer tercio establece rápidamente el funesto ambiente donde se encuentran los personajes y las motivaciones de Saslaya para escapar a Costa Rica en busca de su madre. En este punto se establece que la película “El camino” se adscribe al género de carretera (“road movie” en ingles). La mayor parte de la cinta pasa sin dialogo, que junto a la edición, se convierten en las dos áreas mas deficitarias de la cinta. Primeramente el montaje mostrado crea el “efecto Kuleshov”. Este efecto consiste en exponer una cara inexpresiva que se alterna con diferentes elementos (un plato de sopa, un ataúd, una niña feliz) provocando en el público un sentimiento según lo observado (hambre, tristeza, ternura), a pesar de ser el mismo rostro en primer plano. Esta es la razón por la cual “El camino” siempre surca en este tipo de toma. Abusa increíblemente de los primeros planos y rosa con un tipo de cine estilo tele novelero. Engaña visualmente al espectador y crea un sentimiento fatalista. La edición se convierte en una fuerza que encauza al espectador a observar lo que el cineasta quiere que vea. El segundo problema fue el dialogo, el cual es poco natural y sumamente simple. Se encarrila la información que se desea que el espectador sepa, nada más eso. La información es presentada en bandeja de plata. Este también es un adicionador más al fatalismo. La amplitud de la toma inicial y del basurero La Chureca ayuda al espectador a conocer donde viven los niños y su situación. Este primer tercio, donde se establecen los motivadores de la historia, es lo único rescatable. Posteriormente pierde el camino y se apoya en la edición e imágenes visuales para constituir una historia que no hay. La temática de la migración es tomada únicamente como un vehículo narrativo. Linda muchos aspectos entorno a esta temática social, pero no los profundiza. Se ve el tema de la mujer y la prostitución infantil en Costa Rica, pero solo de pasada. Asimismo no explota la estructura del género de “películas de carretera”. Es una película que carece de ambición en todo aspecto; en la historia y los elementos técnicos. La directora Ishtar Yashin creó una película fatalista que al final deja un gran vacío. No logra que el espectador se compenetre con los personajes o la historia, se excede del uso del primer plano, engaña al espectador con la edición y da información más que obvia. Termina siendo una documental hecho película. Es fatalismo por fatalismo, sin una crítica clara hacia ambos países. Cine frío. Lo positivo: Una excelente fotografía, y que se esté realizando cine en Costa Rica.

Pásela
Titulo original: El camino. Director: Ishtar Yasin. Productor: Luis J. Castro, Pedro Díaz. Producción: Producciones Astarté. Guión: Ishtar Yasin. Cinematografía: Jacques Loiselex y Mauro Herce. Música: Ulpiano Duarte, Alejandro Cardona. Montaje: Valerie Loiseleux. Intérpretes: Sherlyn Paola Velásquez (Saslaya), Marcos Ulises Jimenez (Darío), Juan Josué Bordas (Pajarito), Jean Francois Stévenin (El hombre del bastón), Morena Guadalupe Espinoza (Luz), Cornelio Flores Meza (El abuelo). Duración: 90 minutos. País: Costa Rica, Nicaragua, Francia. Año: 2007. Género: Drama, documental.

Revista Abanico. La Prensa libre 28 agosto 2008.

Cortometrajes La muestra anual del grupo Bisonte reveló el ingenio de la joven narrativa audiovisual del país
María Lourdes Cortés | marialcortes@correo.co.cr
Son bovinos y variopintos; cada vez crecen más y cuando se juntan son capaces de reunir manadas de 600 espectadores. Nos referimos al colectivo de jóvenes cineastas Bisonte, a su trabajo y sobre todo a su reciente presentación en el cine Magaly los pasados 25 y 26 de agosto.

Sus integrantes han ganado premios en la Muestra de Cine y Video Costarricense, en la Muestra de Video Joven e incluso uno de sus trabajos ( Recuerdo prestado , de Iván Porras) fue seleccionado en el 2007 entre 450 cortometrajes latinoamericanos para ser transmitido por el canal internacional AXN.

“¿Por qué se llaman ‘bisontes’?”, se preguntarán algunos. El bisonte es el animal más representado en las pinturas rupestres de Altamira, las primeras imágenes realizadas por el ser humano. Es un buen nombre, ya que enlaza tradición con actualidad.

Prolíficos. El colectivo está integrado por realizadores jóvenes, estudiantes o egresados de la de la Universidad de Costa Rica, donde empezaron a experimentar con la cámara, la estética e las ideas novedosas. Con Retrovértigo (2003), de Nicolás Pacheco, salieron a la luz pública y no dejan de sorprender desde de entonces.

Aparte de Recuerdo prestado , de Porras, el año pasado también destacaron las ficciones Ariel , de Nicolás Pacheco; Cazando a Kurosawa , de Carlos Benavides; y ¿Cómo se resuelve un cubo rubik? y La alcoba , de Andrés Campos. Pietro Bulgarelli se encarga de componer casi toda la música de los trabajos, lo que enriquece los audiovisuales.

Actualmente, el grupo experimenta un éxodo positivo, ya que muchos de sus integrantes salieron a perfeccionar sus estudios al extranjero: Nicole Maynard, Marcela Esquivel y Marcos Machado se unieron a Ariel Escalante y Carlos Benavides en la Escuela Internacional de San Antonio de los Baños (EICTV), en Cuba; Nicolás Pacheco realiza estudios en la Tisch School of the Arts, en Singapur; Mariana Murillo estudia producción en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, España; y Andrés Campos está en Buenos Aires, Argentina, en el Centro de Formación Profesional, de SICA.

Estos viajes de estudio enriquecieron la variedad de temas, los contenidos y las sensibilidades que exhibieron en su segunda muestra anual en el cine Magaly.

Diversidad. Además de la proyección de los últimos cortometrajes, la reciente muestra se enriqueció con la visita de especialistas que impartieron talleres, colaborando así con la profesionalización del medio. Como ya es su costumbre, el colectivo también presentó trabajos de jóvenes invitados.

Entre las obras del colectivo se destacaron dos cortos de Pietro Bulgarelli: Dos kilos , así como Y que tenga usted unas buenas noches doña Digna, en codirección con Alonso Víquez. Dos kilos (2007) es una metáfora del desamor. Un carnicero recibe una llamada que le dispara el siguiente recuerdo de abandono y traición. Una clienta, tentadora y de belleza espectacular, ingresa a la carnicería y le solicita “dos kilos de corazón de cerdo”. El hombre despacha el pedido y la cámara se deleita en mostrarnos los cortes. La mujer mete la carne en su minúscula cartera de fiesta y se marcha, mientras vemos que del pecho del carnicero mana sangre abundantemente.

Y que tenga usted unas buenas noches doña Digna (2008) plantea el problema de la violencia sexual y de la indiferencia colectiva ante ella. La empleada doméstica de doña Digna –quien teje en su sillón de vieja solterona– se maquilla cuidadosamente las marcas de un golpe en la cara. Se despide de su empleadora; pero un momento antes, ha tomado un cuchillo, el cual lleva escondido dentro de sus pertenencias. Su agresor la espera afuera de la casa. Doña Digna los observa mientras se besan con pasión. El hombre intenta abusar de la joven y, en la confusión, ella saca el cuchillo y mata a su amante. Doña Digna, quien lo ha visto todo con desprecio, toma el teléfono, llama a una cerrajería y pide que le cambien la cerradura de su puerta.

Humor y drama. De “los bisontes cubanos” destacamos 2-2 doble pato , de Nicole Maynard, quien escenifica, en clave de humor, un sorteo de bingo entre personas de la tercera edad. En el corto, un joven anuncia los números con una profesionalidad risible, mientras los viejitos tratan de ubicar las respectivas casillas. La acción deviene en una jocosa escena de confusión, ira y resignación de los participantes.

Aunque esta producción se realizó como un ejercicio de tres minutos en un curso de la EICTV, el de Maynard es un trabajo simple, efectivo y sólido. Este también es el caso de Hard boiled (2008), de Marcos Machado. Si bien la historia no concluye con eficacia narrativa, se logra un ambiente fascinante de cine negro. A Machado le interesa trabajar los climas y las sensaciones (lo cual también había hecho en Tinittus ); no obstante debe perfeccionar su narrativa.

Encontré mi amor en Canasí , de Carlos Benavides, es un seguimiento a un simple personaje que nos habla del amor, de sus angustias y de sus relaciones de pareja. El planteamiento es sencillo pero nos hace reflexionar sobre un tema que mueve al mundo.

El trabajo de Nicolás Pacheco, realizado en Singapur, podría desconcertar al espectador; sin embargo es quizá uno de los mejor logrados. Su título es Therese (2008) y es un corto hablado en inglés que cuenta con una actriz de gran calidad profesional. La ficción presenta a una pareja adulta, su vida cotidiana y su rutina matrimonial. La mujer está sola en su apartamento con su empleada doméstica. El Papa recién ha muerto. La vemos botar algunas joyas sin una razón aparente. Al llegar su marido, le cuenta sobre la muerte del pontífice, a lo que el hombre no le da importancia. Ella le ruega que recen juntos. Lo hacen y la esposa le revela a su esposo que la empleada le ha estado robando.

La conducta de la mujer es ambigua, pero su rostro y los planos que usa Nicolás para seguirla nos muestran su vacío vital: necesita llamar la atención de su marido. El corto concluye con la mujer, quien manifiesta que orará por el alma de la empleada, en un final inesperado que refuerza el sentimiento de soledad al que se enfrenta el personaje.

Bisonte se está aliando con otros grupos como Chop Chop, también formado desde la Universidad de Costa Rica. Ambos colectivos realizaron Setiembre entre extraños , de Iván Porras, obra aún inédita.

Igualmente, Andrés Campos filmó La bruja , una cinta basada en el cuento homónimo de Carlos Salazar Herrera (1906-1980). Este será el primer cortometraje del grupo filmado en cine 35 mm. El proyecto ganó el premio Cinexpress, convocado por Fundacine y que recibe el apoyo de Marcos Blanco, director de la productora Corte A.

Si bien los trabajos de “los bisontes” no tienen una calidad uniforme, siempre presentan una búsqueda digna de resaltar. Además, su trabajo como colectivo es justamente lo que necesitamos para poder hacer trabajos audiovisuales: un pensamiento en conjunto. Ellos siguen y pronto nos darán una sorpresa en largometraje, así que esta historia continuará…

Suplemento Áncora. pereiódico LA Nación 14 setiembre 2008.

Director: Richard LaGravenese

Protagonistas:
Hilary Swank
Gerard Butler
Lisa Kudrow
Harry Connick Jr.
Jeffrey Dean Morgan
Kathy Bates

Sinopsis:
Rodada entre Irlanda y New York, "Posdata, te amo" ("P.S. I Love You") es una historia íntima, emotiva y con toques de humor, en la que conocemos a Holly (Hilary Swank) y Gerry Kennedy (Gerard Butler), una pareja que lleva toda la vida junta, están enamorados y son muy felices.

Por desgracia, todo esto termina cuando una enfermedad acaba con la vida de Gerry, sumiendo a su viuda en la desesperación. Pero su marido no va a permitir que se hunda, incluso cuando ya no esté a su lado.

Holly empieza a recibir cartas escritas por él antes de morir, comenzando el día de su cumpleaños. En ellas, Gerry le ayudará a buscar razones para seguir viviendo y aunque esta correspondencia algo macabra preocupa a las amigas de la joven (Lisa Kudrow - Phoebe de la serie "Friends"- y Gina Gershon) y a su sobreprotectora madre (Kathy Bates) lo cierto es que las cartas, firmadas con un “Posdata, te quiero”, devolverán las ganas de vivir a Holly.

Tomado de 60 minutos de amor.blogspot.com