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RESONOCO

Categoría: cine

21/05/2008 GMT 1

Antes de partir

marfuerte @ 03:27

Gabriel Gutiérrez R.
gutgabriel@gmail.com
The Bucket List, 2007
Director: Rob Reiner; Jack Nicholson,
Morgan Freeman
EE.UU. Drama, comedia. 97 minuto.

Mucha cáscara, poco rellen.

Tenemos a dos personajes, caracterizados por actores de renombre. Uno es el contrario del otro. Edward Cole (Jack Nicholson), extravagante millonario, solo, malhumorado; Carter (Morgan Freeman), trabajador, familiar, con crisis existenciales. Ambos se unen en el ocaso de sus vidas para hacer realidad lo que siempre quisieron hacer por medio de una lista. Sin embargo, es más lo que Carter nunca hizo en su vida.

Entonces, tenemos a Cole representando al Grinch y a Carter al Fantasma de la Navidad. Al final, el Grinch muestra su parte humana gracias a lo vivido con el fantasma. Historia reciclada una y otra vez de diferentes maneras, por lo que es evidente la falta de ambición en esta película.

El personaje de Carter es un mecánico, historiador frustrado que es una enciclopedia parlante. Al inicio da risa, al final sus datos históricos sirven como vehículos que van impulsando la historia, o como escenas de relleno. A ello se junta una pésima actuación de ambos actores, se nota la falta de dirección.

Es predecible desde el inicio. El diálogo es forzado, las locaciones son evidentemente puestas digitalmente. Sin rodeos, es una película tonta que se basa en sentimentalismos como herramienta para despertar en el público interés y dejar el mensaje (único aspecto positivo de la película) de que se debe aprovechar el tiempo en vida, sacarle el mayor provecho posible.

(Si no desea saber el final, no lea este párrafo.)
Lo más absurdo de todo, es que la película inicia y termina con una narración de Carter. Pero para sorpresa de todos, él es el primero que muere, y al narrar el final se muestran las cenizas de él, entonces, ¿narró desde el más allá?
La narración es utilizada como mecanismo que
presenta información de fondo o rellena huecos en la historia, que no pueden ser mostrados de manera dramatizada. Algunas veces es utilizada para ubicar al espectador al inicio, con información histórica o darle un sentido de autenticidad a la historia y también se usa al inicio, ocasionalmente en el medio de la película o al final.

Esta técnica no debe ser usada en exceso, porque puede ir en detrimento de la película, más aún si es narrada por alguien que sabemos que está muerto.

Omitir.

Cartelera actua.

Entristece ver las opciones que nos da la cartelera. Si ingresamos a rottentomatoes.com, sitio de Internet donde se reúnen críticas de diversos especialistas en cine de Estados Unidos e Inglaterra, podemos observar la calidad de las películas que exponen en nuestros cines.

“Sin rastro” tiene un 15%, “Antes de partir” un 41%, “El sabor de la noche” un 48%, “Voces del mas allá” un 7%, “Amor y tesoro” un 10%, y finalmente “Mi ex”, un 19%.

Estos porcentajes son muy malos si tomamos en cuenta que una película en este sitio de Internet con un porcentaje que va del 70% al 80% tiene un nivel bueno, de un 80% a un 90% muy bueno y de 90% para arriba es excelente.

Por otro lado, las películas de mejor calidad fueron estrenadas en devedé (DVD) antes de su estreno en cines. El DVD de “Petróleo sangriento” fue lanzado el 8 de abril y el de “El valle de las sombras” el 8 de febrero. Pero nos venden estas películas como los últimos estrenos en cartelera.

¿Qué pretenden las distribuidoras presentando películas de baja calidad y estrenando otras muy tarde?
¿Seremos los mismos espectadores los que alentamos este cine mediocre y sin grandes opciones? Al final, “cada quien siembra lo que recoge” y yo creo que podemos recoger mejores cosechas que estas.
Revista Abanico. periódico La Prensa Libre 1 mayo 2008.

20/05/2008 GMT 1

Los Coen abren

marfuerte @ 01:42

Los famosos hermanos serán los encargados de inaugurar en agosto el Festival de Cine de Venecia con su pelí­cula Burn after reading. La cita promete muchas sorpresas.

Inti Picado Ovares
ipciado@vueltaenu.co.crEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla
El filme de los hermanos Joel y Ethan Coen, Burn after reading, inaugurará la 65ª edición del Festival del Cine de Venecia que se celebrará del 27 de agosto al 6 de septiembre próximos, anunciaron este lunes los organizadores.
La pelí­cula, escrita y realizada por los originales hermanos Coen, cuenta con la actuación de los célebres actores George Clooney, John Malcovich, Brad Pitt y Tilda Swinton.
Gira en torno a las memorias de un ex agente de la CIA, las cuales terminan en manos de dos empleados de un gimnasio, quienes pensando que se trata de importantes documentos secretos intentan venderlas para poder someterse a varias operaciones de cirují­a estética.
La cinta será presentada en Venecia el 27 agosto durante la ceremonia de inauguración de la muestra y el 12 de setiembre será estrenada en Estados Unidos.
Directores, productores y guionistas, Joel; de 53 años, y Ethan Coen; de 50 iniciaron su carrera con el thriller Blood simple en 1984, al que le siguieron una decena de pelí­culas marcadas por el humor negro y hasta un tono poético en imágenes bañadas de sangre y situaciones macabras.
Las cintas Barton Fink (1991) y Fargo (1996), ambas ganadoras de la Palma de Oro de Cannes -así­ como El hombre que no estuvo ahí­ (2001)-, terminaron por consagrar a estos hermanos que en el 2007 alcanzaron el Oscar con No country for old men.
La 65ª edición del Festival del Cine de Venecia -organizada por la Bienal de la ciudad y que reúne además de cine otras artes como arquitectura, danza, música y teatro- se desarrollará en el Lido a partir del 27 de agosto y concluirá el 6 de setiembre.
Esta edición contará con Marco Müller como su director, lo que le permitirá continuar con el trabajo iniciado en el 2004.
Como en años anteriores, los grandes de la industria estarán presentes. El Festival de Cine de Venecia es el primer paso para la gran temporada de estrenos en los Estados Unidos; mucho de lo que pase ahí­ determinará el éxito futuro de las producciones.
periódico Vuelta en U 29 abril 2008.

16/05/2008 GMT 1

Lennon es noticia

marfuerte @ 00:30

El imán mediático del ex Beatle es innegable. A 28 años de su muerte, su música, imagen y declaraciones siguen generando titulares.

Ono protege el legado del ex Beatle.

Inti Picado Ovares
ipicado@vueltaenu.co.crEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla
Pese a que han pasado casi 28 años desde la trágica muerte del músico John Lennon, el ex beatle sigue generando controversia. Ahora, la viuda de Lennon - la artista conceptual Yoko Ono- intenta impedir la difusión de dos videos en los que éste aparece. En uno de ellos se muestra a Lennon fumando marihuana, especulando sobre la idea de poner LSD en el té del entonces presidente norteamericano Richard Nixon y componiendo dos de sus temas musicales: Mind games y Remember.
La pugna es contra el consorcio coleccionista de objetos vinculados a los cuatro de Liverpool, World Wide Video, con sede en Massachusetts. Pese a que Ono dice ser quien posee los derechos de las imágenes, la compañí­a asegura que los compró al primer marido de Ono, Anthony Cox, quien las filmó en 1970.
La primera audiencia para determenar a quién pertenecen los derechos de esas imágenes se realizará el próximo 30 de abril, según se desprende de documentos entregados por la Corte de distrito de Massachusetts, Boston.
La versión de World Wide Video
Según Ray Thomas, productor ejecutivo de World Wide Video -y primero en presentar una acción judicial con respecto al tema-“John Lennon, tres dí­as en la vida inmortaliza un momento histórico en la vida del artista y lo hace í­ntimamente y sin barreras”.
“Nuestra pelí­cula permite a una nueva generación compartir, junto con aquellos que vivieron esa época, una mirada profunda y penetrante de las diferentes facetas del hombre que sentó nuevos estándares en el arte, la música, la moda y la polí­tica”, comentó Thomas en un comunicado.
Ono contraataca
El pasado 24 de abril, en una acción judicial separada, Yoko Ono puso una demanda ante una corte federal de Manhattan contra los autores de un documental por utilizar sin autorización un fragmento del video de la canción de John Lennon Imagine.
El documental Expelled: no intelligence allowed- que incluye el corto de Lennon- es un trabajo que cuestiona sin tapujos la teorí­a de la evolución de Darwin.
Yoko Ono considera que los créditos del filme pueden hacer pensar que ella aprobó su utilización. Por su parte, los productores Premise Media y Rocky Mountain Pictures dijeron en un comunicado que sólo utilizan “una pequeña parte del tema”.
Controversia aparte, el célebre músico de Liverpool sigue generando titulares como hace más de 30 años.

periódico Vuelta en U 28 abril 2008.

15/05/2008 GMT 1

El reino iconoclasta de Reygadas

marfuerte @ 00:28

Contrastes ‘Batalla en el cielo’ sorprende con una carga ambivalente de religiosidad, urbe y erotismo

Jurgen Ureña Arroyo | jurgenurena@yahoo.com
En muy poco tiempo, y en virtud del profundo impacto producido por tres largometrajes de vocación radical, el director mexicano Carlos Reygadas se ha ganado un lugar privilegiado en el panorama cinematográfico de nuestros días.

La ópera prima del cineasta, estrenada en el año 2002 bajo el título de Japón , evidenciaba una gramática obsesiva y perturbadora, concebida a partir de la morosidad narrativa y del choque violento entre nociones antagónicas.

En su segundo largometraje, Reygadas fija su mirada en la intimidad de una desigual relación amorosa y se inclina de nuevo por el enfrentamiento entre ideas opuestas como belleza y fealdad, vida y muerte, infierno y paraíso.

Este juego de oposiciones hace de Batalla en el cielo (2005) una obra de difícil acceso, a veces demasiado personal, pero siempre efectiva al representar emociones complejas y trascendentales.

El ambivalente e inusual tejido cinematográfico incluye manifestaciones diversas, y aparentemente incompatibles, como la performance , la sinfonía urbana del período silente, el cine reflexivo de los grandes maestros y el relato policiaco.

Confluencias. Uno de los rasgos más notables del cine según Reygadas es la recurrencia de suaves y amplios movimientos de cámara y la caracterización actoral hierática, dispuestos en sentido contrario a la estética predominante.

Esta puesta en escena particular produce una sensación de tiempo suspendido, una atmósfera etérea que invade al filme y propicia el tránsito hacia los diversos estados emocionales experimentados por los protagonistas.

Adicionalmente, el desencadenante narrativo de Batalla en el cielo surge de la cotidianidad mexicana y adopta la forma de un secuestro infantil. Esto convierte a la ciudad en elemento esencial del tejido dramático, en espejo que multiplica las sensaciones de millones de seres humanos.

El carácter plural y reconocible de la capital mexicana da consistencia a las etéreas relaciones de Batalla en el cielo . El espacio urbano es además el principal dispositivo creativo, el vínculo generador entre la idea y la realidad. El propio Reygadas ha comentado que se inspiró en el cine de Roberto Rossellini y en la manera en que el director italiano construyó una ficción a partir del paisaje urbano en el filme Roma, ciudad abierta (1945).

Finalmente, la peregrinación religiosa que atraviesa el relato aumenta la sensación de pluralidad y extiende las relaciones hacia la tradición cinematográfica de formas contemplativas. Aquí es donde se manifiestan las influencias más importantes de Reygadas, donde se vislumbra con claridad la huella profunda de directores como Robert Bresson, Carl Theodor Dreyer, Yasujiro Ozu y Andréi Tarkovski.

Fronteras. Uno de los elementos más comentados de Batalla en el cielo es el uso de la sexualidad explícita en un par de pasajes. Tras la proyección, los abucheos y silbidos se alternan usualmente con diversas manifestaciones de apoyo, lo que reaviva el antiguo debate sobre los linderos entre lo erótico y lo pornográfico.

Para muchos, el límite entre ambos territorios es claro: el cine erótico insinúa y el pornográfico muestra. El erotismo es sutil e imaginativo; la pornografía, torpe y demos-trativa. La pornografía es vulgar, y el erotismo es arte.

Una breve revisión histórica añade al esquema el beneficio de los matices y recuerda que el cine de genitales expuestos es tan antiguo como el propio cinematógrafo. Obras como A través de la cerradura de la puerta (1900) y El amor a todas las edades (1902) lo confirman.

La división abrupta entre erotismo y pornografía gozó de muy buena salud durante la primera mitad del siglo XX, amparada en los medios diferenciados de distribución y en las censuras nacionales, como el Código Hays estadounidense.

El aire rebelde de finales de los años 60 preludia los cambios que llegarán a la gran pantalla con la Trilogía de la vida, dirigida por Pier Paolo Pasolini e integrada por El Decamerón (1971), Los cuentos de Canterbury , (1972) y Las mil y una noches (1974).

La crítica especializada se enfrenta a las nuevas propuestas con gran perplejidad: ¿puede una película conciliar la abierta exposición sexual con el logro estético? La evidencia propone una respuesta afirmativa.

El último tango en París (1972), dirigido por Bernardo Bertolucci, y El imperio de los sentidos (1976), del japonés Nagisa Oshima, confirman una tendencia que en la última década ofrece filmes tan notables como Los idiotas (1998), Lucía y el sexo (1999), Nueve canciones (2004) y El sabor de la sandía (2005).

Aún así, la presencia del sexo explícito en un largometraje es actualmente una razón de peso para la descalificación y el juicio de valor condenatorio. El caso extremo del fenómeno se ubica en Irán, donde la sexualidad manifiesta en el cine es sancionada con la pena de muerte.

Ecce homo. El rostro inexpresivo de Marcos, figura central de Batalla en el cielo , abarca la pantalla en la primera imagen del filme. Algunos minutos más tarde el espectador puede interpretar el momento erótico inicial, explícito y contradictorio, grotesco y lírico a la vez, como una doble presentación.

Por un lado, Reygadas parece emular en la imagen una célebre frase de la tradición cristiana: “He aquí al hombre”, flagelado y a punto de iniciar su personal via crucis .

Esa lectura es inducida por la extensa iconografía religiosa que destaca en cada rincón del filme, y por las diversas estaciones señaladas durante el desarrollo del relato.

Por otra parte, el pasaje inaugural de Batalla en el cielo se expresa como una síntesis dramática: “He aquí la película”, constituida fundamentalmente por contrastes.

A lo largo del filme, plano tras plano, la mirada reposada y poética convive con el choque frontal, la niebla gravita al lado de la violencia cotidiana.

Los detractores de Reygadas –que no son pocos– lo acusan de ostentar un excesivo trascendentalismo y lo consideran poco más que un simple provocador. Argumentan que sus películas alimentan los mayores estereotipos sobre América Latina, que él no pretende ponerse a la altura de sus personajes, y que en cambio narra siempre desde un trono sofisticado, de abolengo europeo.

En Batalla en el cielo podrían confirmarse algunas de esas apreciaciones, a riesgo de subestimar su valiosa condición de obra iconoclasta.

La película es al mismo tiempo una radiografía y un alegato contra el México actual. Es la imagen fotográfica y el comentario que pide quemar el viejo retrato.

Batalla en el cielo rompe con la estética promulgada por el star system hollywoodense y objeta además la imagen idealizada sobre el cine latinoamericano, mediante la reescritura del propio cine latinoamericano. El logro alcanzado –o, incluso se podría afirmar, el simple propósito– no es de ninguna manera despreciable.

Suplemento Áncora. periódico La Nación 27 abril 2008.

La personificación del mal tiene nombre

marfuerte @ 00:24

En la cinta Petróleo Sangriento, el actor Daniel Day Lewis interpreta a Daniel Plainview, un magnate petrolero cuya ambición va más allá de cualquier lí­mite.

Inti Picado Ovares
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Al ver Petróleo sangriento, y convivir por dos horas y treinta y ocho minutos con un personaje como Daniel Plainview -interpretado magistralmente por Daniel Day Lewis-, entramos de algún modo a los rincones ocultos de la maldad.
Los primeros quince minutos del filme, en los que somos los únicos testigos de lo que podrí­amos llamar la génesis de su personaje, Daniel Plainview lucha cuerpo a cuerpo con la tierra. Sólo, a varios metros de profundidad, Plainview procura extraer sus riquezas. Su ambición no tiene lí­mite, su determinación tampoco. Ese foso -húmedo, profundo y oscuro- es una especie de fotografí­a del alma del propio Plainview, un sitio con olor a muerte y putrefacción.
La trama
Esta nueva pelí­cula de Paul Thomas Anderson está basada en la novela Oil escrita en 1927 por Upton Sinclair. “Soy un magnate petrolero”, nos dice Plainview con voz profunda. Y señalando a su pequeño hijo comenta: “Y este es mi socio: H.W. Plainview, el mí­o es un negocio de familia”. Una y otra vez insiste en ello, nos explica lo que hace: él perfora las profundidades y hace dinero con ello. Y ahí­ lanza sus promesas de prosperidad; para él y aquéllos que quieran despojarse de sus tierras.
Una noche, como salido de la nada, Daniel Plainview recibe a un extraño visitante, conocido sólo como Paul Sunday (Paul Dano). Éste le dice que conoce un sitio que prácticamente flota en petróleo: la finca de su familia. Plainview decide seguir la pista. Llega a New Boston, California, y visita la propiedad de los Sunday. Después de descubrir que lo dicho por Paul era verdad, Painview plantea la compra de la propiedad, negocio en el que participa Eli, hermano de Paul y predicador de la pequeña comunidad. Eli pide, como condición para la venta, que Plainview ayude a a su iglesia. Así­ se inicia la consagración de Plainview como lo que es: la personificación del mal. Nada le importa, nadie es importante, sólo su dinero.
Petróleo sangriento se llevó dos de las ocho estatuillas doradas a las que estaba nominada. Ahora, finalmente, la pelí­cula llega a las salas nacionales. No se la puede perder.

periódico Vuelta en U 25 abril 2008.

14/05/2008 GMT 1

El paladí­n metalero

marfuerte @ 03:25

David Castillo Robinson
dcastillo@vueltaenu.co.crEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla
Le tomó su buen tiempo, pero al fin Tony Stark encontró la manera de escapar de las páginas de papel y pegar el salto que otros colegas suyos hace rato dieron: hacerse grande en la gran pantalla.
Iron Man, la pelí­cula basada en la exitosa historieta de la editorial Marvel, debutará en los cines de todo el mundo el próximo miércoles 30 de abril. se trata del mismo metálico personaje que apareció por primera vez en 1962, en Tales of suspense. Ese cómic, al igual que otros de Marvel, fue creado por el hoy aún vigente Stan Lee, junto a Larry Lieber, Jack Kirby y Don Heck.
La misión de dirigir el filme se le encargó Jon Favreau, quien se ha destacado como actor y guionista. Entre sus trabajos se cuentan la aclamada comedia Swingers, además de participar en Daredevil y el drama independiente The Big Empty.
Ya como director, su trabajo comenzó con la comedia Elf.
Pero si el director es familiar en el ambiente hollywoodense, el reparto no se queda atrás, encabezado por Robert Downey Jr, actor que encarna a Tony Stark, un billonario industrial que es capturado por terroristas en Afganistán (¿dónde más?).
La historia es fiel al cómic: Stark -especie de MacGyver pero con más plata- se las ingenia para construir una armadura metálica que le permite escapar. Cuando regresa a Estados Unidos, Stark mejora su creación y se convierte en el tecnologicamente avanzado y rojiamarillo súper héroe Iron Man.
Otra de las grandes estrellas es Gwyneth Paltrow quien desempeña a Virginia Potts. Paltrow es recordada por haber obtenido un premio Óscar como Mejor Actriz en su célebre papel de Viola De Lesseps en Shakespeare Enamorado en 1998.
Cuando se anunció la incorporación de Paltrow a el reparto, la actriz afirmó: “Crecí­ rodeada de cómics de Marvel por toda la casa porque a mi hermano le encantaba Spiderman desde muy pequeño, pero no habí­a participado nunca en una pelí­cula de semejante escala. Cuando supe que Robert Downey Jr. iba a interpretar a Iron Man, y que Jon Favreau iba de director, dije 'me apunto’”.
En el elenco también se destacan Jeff Bridges y Terrence Howard.
Debido a la calidad histriónica de los actores, la cinta es esperada por la crí­tica y por los fiebres de los cómics, además de que, para muchos entendidos, Iron Man no entra dentro del canón del súper héroe tradicional.
Producción
La pelí­cula se empezó a rodar desde febrero del 2007 y contó con un presupuesto de aproximadamente $100 millones.
Para que no hiciera falta ningún detalle, el dibujante de cómics Adi Granov estuvo a cargo del diseño de la armadura y trabajó por más de ocho meses con Robert Downey Jr. para que los movimientos con el traje metálico no se observaran forzados.
Durante el rodaje, Jon Favreau pidió que la armadura se apegará al cómic y que al principio de la pelí­cula apareciera el primer modelo, al igual que en la historieta -más tosco y totalmente metálico-. Favreau agregó que éste filme será el inicio de una franquicia que se centrará en explorar los problemas personales de Tony Stark.
Mercadeo
Para que la pelí­cula sea todo un éxito los productores diseñaron una ambiciosa estrategia de mercadeo.
Marvel y Paramount lanzarán un videojuego de Iron Man.
Además, durante el pasado Super Bowl emitieron un anuncio de 30 segundos dirigido a los cerca de 100 millones de televidentes que observaron la transmisión del evento deportivo más importante de Estados Unidos.
Las empresas además establecieron una alianza con Hasbro. Así­, el fabricante de juguetes lanzará una lí­nea de figuras de acción basada en los personajes del largometraje.
periódico Vuelta en U 25 abril 2008.

10/05/2008 GMT 1

Petróleo sangriento

marfuerte @ 19:13

Gabriel Gutierrez R.

gutgabriel@gmail.com

There will be blood, 2007
Director: Paul Thomas Anderson; Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Dillon Freasier.

EE.UU. Drama. 158 minutos.

“Película tan valiosa
como el petróleo”

Lo interesante de las películas que fueron nominadas en la pasada entrega de los Premios Oscares es la exploración que se le da al lado oscuro del ser humano. Tenemos al inescrupuloso asesino, Anton Chigurh (Javier Bardem) de “No country for old men” (Joel y Ethan Coen, 2007), la niñada de Briony (Saoirse Ronan) en “Atonement” (Joe Wright, 2007), la maquinaria depredadora de las corporaciones en “Michael Clayton” (Tony Gilroy, 2007), e hilando un poco delgado el personaje de Mark (Jason Bateman) en “Juno” (Jason Reitman, 2007).

Falta por mencionar al más despreciable de todos y por el cual Daniel Day-Lewis se hizo acreedor de la gran mayoría de premios al mejor actor: Daniel Plainview.

“Petróleo Sangriento”, dirigida, escrita y producida por Paul Thomas Anderson, es una joya cinematográfica a nivel técnico y temático.

Se enfoca en relatar la escalada al poder de Daniel Plainview en el mundo del petróleo a partir de la perseverancia y el manipuleo. Su voz, incluso, llega a acurrucar a los espectadores mientras trata de convencer al pueblo de arrendarle las tierras para extraer petróleo.

Al inicio de la película vemos a Plainview excavando solo. Luego con un pequeño grupo de trabajadores, para al final tener una gran empresa de perforación petrolera. Así como va aumentando el nivel de su empresa, la actuación de Daniel Day-Lewis va por el mismo camino. Al final despliega sus alas y muestra una de las mejores actuaciones que no se ha visto en años. Vemos a un actor comprometido con su personaje, metido en la historia.

En los primeros 15 minutos, la única palabra mencionada es “no”. Pero no se requiere de dialogo porque Day-Lewis y en especial la música es suficiente para que las imágenes sustituyan un dialogo que estaría de más.

Esa es la grandiosidad de “Petróleo sangriento”. No se necesita de mucho dialogo para decir algo. Se utiliza como una herramienta básica del cine, pero lo que más sobresale y representa la película son las tomas (dirección), la excelente fotografía y la representación de Daniel Plainview. Eso es todo lo que se requiere para que la película se establezca en un pináculo artístico donde pocas producciones han llegado.

Jonny Greenwood miembro de la banda australiana “Radiohead” se encargó de realizar una banda sonora que marca el ritmo lento de las escenas. Es un componente sin el cual la película no sería tan absorbente. Música atrayente que consuma cada escena, acrecentando la parte visual.

La dirección de Thomas Anderson hace que cada escena tenga una gran profundidad. Combina espléndidamente el manejo de las cámaras y la fotografía, constituyéndose en puntos álgidos dentro de la producción.

En la gran mayoría de tomas la cámara está en un punto fijo y el espectador como si estuviera “detrás de una ventana.” El espectador es un participante activo en cada toma; en cada avasalladora escena donde Daniel Plainview siempre esta reluciendo. La película da cabida a una exhaustiva crítica. Su personaje es único, asombroso. Con el transcurrir de los minutos Plainview va abriéndose y mostrando el ser que en verdad es. Lleno de codicia, avaricia, manipuleo. Como él mismo le dice a su hermano “Yo tengo una competencia conmigo mismo. No quiero que nadie triunfe. Odio a la mayoría de la gente.” Es imposible dejar de lado la interesante presencia de la religión en la película. Plainview se convierte en una especie de demonio. Su personaje se resume en la letra inicial de “Sympathy for the devil” de Rolling Stones, “Soy un hombre de riqueza y gusto. He estado alrededor por muchos, muchos años, robando las almas y fe de muchos hombres.”
Parada obligatoria este fin de semana.

Muy recomendada
periódico LA Prensa Libre 24 abril 2008.

La simpleza hace la diferencia

marfuerte @ 01:59

De la mano de la joven actriz Ellen Page, muy pronto podrá observar en las salas la sorpresa cinematográfica de esta temporada Juno, una cinta con corazón.

Iint Picado Ovares
ipicado@nacion.comEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla
La trama es simple: una adolescente de 16 años queda embarazada y se tiene que enfrentar al dilema que ello conlleva: enfrentar a sus padres, a sus compañeros en el colegio y hasta al padre del futuro bebé-otro adolescente como ella-.
La joven decide, por cuenta propia, dar el bebé en adopción. Con ello, Juno inicia una odisea que la lleva por una serie de fases de aprendizaje, de fascinación y hasta de inocencia.

De mano de la actriz Ellen Page, rostro fresco de la industria cinematográfica, Juno es un soplo de aire nuevo en el turbio ambiente que domina la mayorí­a de los filmes que llegan a nuestras salas.
Page demuestra, como lo hizo en el filme Hard candy ( 2005), que es una actriz madura, fuerte y tremendamente versátil. A sus escasos 21 años, Ellen Page irradia simpatí­a y naturalidad.
Mezcla perfecta
Desde su estreno, Juno cosechó éxitos en los circuitos de cine independientes, al punto que muchos la compararon con la sorpresa de un año atrás: Little Miss Sunshine. ¿Y en qué radica su éxito? La respuesta es simple: la confluencia de tres grandes talentos emergentes. En primer lugar, Ellen Page, la encantadora actriz; en segundo término, Jason Reitman, un joven director; así­ como Diablo Cody, ex stripper y ahora exitosa guionista.
Su talento fue reconocido en la pasada entrega de los Oscar en los que los tres estuvieron nominados -Cody ganó la estatuilla en su categorí­a-.
Unos dí­as antes, en la entrega de los prestigiosos premios Spirit, la pelí­cula se llevó el de mejor pelí­cula, el de mejor actriz y el de mejor guión. Juno llega muy pronto a los cines ticos.

periódico Vuelta en U 21 abril 2008.

08/05/2008 GMT 1

‘Quemo candela por los dos lados’

marfuerte @ 01:19

Balance El cineasta nacional Víctor Vega evaluó su labor en su última entrevista, ofrecida en la televisión

Roberto García Herrera | rgarcia@nacion.com
En el año 1975, cuando se estrenó Las cuarentas , por cadena nacional de televisión, en un comentario titulado La basura debajo de la alfombra , el periodista Guido Fernández, a la sazón director de La Nación , escribió: “No conozco a Víctor Vega ni sé dónde aprendió a hacer cine, pero es cine del bueno…”

Víctor, ¿dónde aprendió a hacer cine?

Yo no lo sé muy bien, la verdad. En los inicios del Departamento de Cine (1973), nosotros recibimos una capacitación básica, pero creo que los que llegamos a hacer algún trabajo ahí, alguna capacidad narrativa traíamos.

“Supongo que esa habilidad la saqué de mi tata, que era un verdadero cuentacuentos. Reunía un montón de gente en las gradas de la escuela en Cañas, Guanacaste, donde él daba clases, y los entretenía por las noches, cuando no había luz ni radio, mucho menos tele.

Hay un sello del estilo que usted patentó en ese documental, lleno de símbolos. ¿Se alejó con el tiempo de ese lenguaje cinematográfico?

Siento que sí, muy a mi pesar. Es que, luego, la realidad se me volvió muy concreta: fue algo inevitable. Yo hago comerciales de televisión desde hace tiempo, como oficio. Entonces, me he vuelto más un empresario que un cineasta, aunque como cineasta mantengo inquietudes. Lo que pasa es que uno termina pagando la factura de vivir en un mundo tan concreto y tan duro, como es el de la publicidad. Sinceramente, yo no estoy muy contento con lo que hago, pero voy a hacer un intento para volver a las raíces.

Las cuarentas no es un estudio formal ni tiene rigor científico. ¿Cómo fue ese acercamiento a las prostitutas?

Mi preocupación por la prostitución me viene desde chiquillo porque vivía en un pueblo donde había una gran cantidad de prostitutas, de modo que nunca las pude ver como seres ajenos a mí.

“Le entré al tema con una gran curiosidad, para indagar hasta qué punto había percibido ese ambiente; y, una vez concluido el proceso, no varié mi primera impresión. Al final, yo nunca pude condenar la prostitución; no creo que una persona en su sano juicio la pueda condenar si la misma sociedad la produce.

Dentro de esa candidez, había un atrevimiento. ¿Qué pasó luego con el cine documental en Costa Rica? ¿Nos encasillamos o perdimos esa libertad para expresar, como en Las cuarentas, la realidad?

Las cuarentas corresponde al primer ciclo de realización, que estaba imbuido de una gran rebeldía; pero los que nos enseñaron eran cineastas diametralmente opuestos.

“Por un lado estaba Maurice Boulbulian, un armenio anarquista que a cada rato nos decía que hiciéramos lo que nos diera la gana, que la única forma de hacer cine era inventándolo cada vez. Por otro lado estaba Jean-Claude Pilon, un tipo cuadrado.

“Nos jalaban para los dos lados. Por un lado, que fuéramos muy formales y que nos atuviéramos a los parámetros que nos dictaba el PNUD, que había financiado la operación; por otro lado, la misma rebeldía, que partía de los mismos temas que nosotros enfocábamos, porque resultaba sencillamente imposible meterse en un tema de estos sin quedar untado moral y espiritualmente de lo que se veía.

“Esa gran rebeldía producía obras muy disímiles. Yo creo que Las cuarentas y casi todo lo que yo hice en el Centro de Cine, obedecía a ese ciclo de rebeldía, aunque hubo otros trabajos más formales. Esto no podía prevalecer, y el Centro de Cine (antes Departamento de Cine) tuvo que entrar cada vez más en un patrón de conducta más previsible, con documentales más institucionales, hasta que finalmente terminaron por liquidarlo.

¿Cómo se plantearía un nuevo documental sobre la prostitución?

Sinceramente, casi de la misma manera, con la diferencia de que el consumidor ya no es local. La mayor parte de los consumidores de prostitución en este país, viene de afuera. Ese es el componente que la diferencia, pero la prostitución sigue teniendo su origen en la necesidad, en el hambre, en la falta de educación, en el abuso de los niños, y todas estas lacras que son producto ¡nada más que de la pobreza!

“La prostitución sale de la pobreza, no sale de bajos principios morales. Por más pintado que sea cualquiera, en caso de necesidad no dudaría en prostituirse. ¿Por qué va a dudar una persona que tiene a sus hijos muertos de hambre? ¡Esa es la realidad!

Las cuarentas muestra el símbolo de una muñequita atropellada, pateada, vejada. En la escena final, la muñequita aparece en los brazos de una niña, hija de una de estas muchachas de la prostitución. ¿Es una herencia de dolor?

Sinceramente, sí. Si no hay una solución a las condiciones de pobreza que la generan, la prostitución no tiene remedio. Mientras exista un panorama como el que prevalece desde que yo hice esta película hasta nuestros días, mientras esa desigualdad social prevalezca, siempre va a haber prostitutas.

“Yo no creo que la prostitución sea un mal moral permanente. Lo increíble es que sea permanente la miseria de la que emerge esta barbaridad.

¿Tiene algún proyecto cinematográfico?

Lo último fue un primer capítulo de lo que sería una serie de televisión [ Café Fortuna ]. Es algo muy humano postergar las grandes decisiones por razones de mera inseguridad. Sí estoy convencido de que, si no hago un largometraje muy pronto, no lo voy a hacer nunca; de manera que en este año empezaré a escribir un tema que tengo de Fabián Dobles.

“Es un proyecto que quisiera escribir con Juan Fernando Cerdas y Gustavo Fallas. Espero emprenderlo cuanto antes sea posible porque de verdad que yo estoy quemando la candela de los dos lados y cada vez estoy menos joven.

…Pero más experimentado.

Claro que sí, pero lo único que la experiencia me indica es que tengo que apurarme.

Cinco meses después de esta entrevista en Lunes de Cinemateca , el cineasta Víctor Vega falleció el 26 de agosto del 2003, víctima de un cáncer.

EL AUTOR trabaja en el Centro Costarricense de Producción Cinematográfica del ministerio de Cultura y conduce el programa ‘Lunes de Cinemateca’ .

De lunes

a domingo

Con cinco años de estar al aire, Lunes de Cinemateca es un programa de difusión cultural en el campo del cine y el video costarricenses, coproducción del Canal 15 de la Universidad de Costa Rica y el Centro de Cine del MCJ. Desde su primera emisión, el 20 de enero del 2003, se han difundido más de 250 programas por Canal 15, los lunes y los jueves a las 9 p. m, con retransmisión por el Canal 13 los domingos a las 10 p. m. Es el único espacio en su género en la televisión costarricense. Por su set ha desfilado la gran mayoría de los realizadores audiovisuales. Hoy iniciamos un recuento de algunas de estas entrevistas, como la que se le hizo a Víctor Vega el 17 de marzo del 2003, ocasión en la que se presentó su documental Las cuarentas (1975), sobre la prostitución en Costa Rica.

Hombre

de cine

Víctor Vega Marín fue un productor y director de cine. Nació en Costa Rica en 1944 y murió el 26 de agosto de 2003.Comenzó sus labores como camarógrafo y director en 1973, fue miembro fundador del Departamento de Cine del Ministerio de Cultura, Juventud y Deportes (hoy Centro Costarricense de Producción Cinematográfica), y realizó 34 películas y más de 700 comerciales. Es considerado uno de los más grandes impulsores de la cinematografía en Costa Rica.

Filmografía

de Víctor Vega

Puerto Limón.Las cuarentas.A Sebastián.Nicaragua, patria libre o morir.El hombre de la pierna cruzada.Una canción para la paz.Una mancha de grasa.Tocú.Natividad.Réquiem.Café Fortuna.

Suplemento Áncora. periódico La Nación 20 abril 2008.

07/05/2008 GMT 1

Cine que trasciende

marfuerte @ 00:01

En Guatemala, durante la década de los años ochenta, se cometieron atrocidades militares contra las comunidades indí­genas. El filme El norte es un documento que nos ayuda a eludir las nebulosas del olvido.

Inti Picado Ovares
ipicado@vueltaenu.co.crEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla
Con la presentación del laureado filme El norte, del director chicano Gregory Navas, Videoteca del Sur continua su programación con lo más relevante del cine y video latinoamericano.
La presentación se llevará a cabo este miércoles 16 de abril a las siete de la noche, en la Sala Calle 15, ubicada al costado sur del Parque de la Democracia (sobre la avenida segunda, entre las calles 13 y 15). La entrada -como es usual para la Videoteca del Sur- es gratuita.
La trama
El norte nos cuenta la historia de vida de dos hermanos, Rosa y Enrique, indí­genas guatemaltecos, que se ven obligados a abandonar su remoto pueblo maya después de la muerte de sus padres a manos de las tropas del ejército. Luego de superar muchas dificultades se dirigen al norte en busca del sueño americano.
Para ellos, el mundo es ancho y ajeno, no tienen cabida en su propio paí­s. Como bien dice Rosa (Zaide Silvia Gutiérrez), la protagonista principal, “No hay lugar para nosotros: en nuestra tierra nos quieren matar; en México sólo hay pobreza; y aquí­, en el norte, no nos quieren. Tal vez sólo muertos encontremos un lugarcito”.

Contexto histórico
En Guatemala, durante la década de los años ochenta, se cometieron atrocidades militares contra las comunidades indí­genas y se practicó una polí­tica de tierra arrasada. El ejército mató y obligó a exiliarse a miles de habitantes rurales y destruyó más de cuatrocientos pueblos indí­genas. El conflicto también se extendí­a a los vecinos paí­ses de Nicaragua y El Salvador, donde hubo miles de muertes y refugiados polí­ticos.
Sobre el autor
El norte es el primer largometraje de Gregory Nava. El guión, escrito por el director y su esposa, fue nominado en 1985 para el Oscar y el Writers Guild of America Screen Award al mejor guión original. Además, Nava fue premiado, por esta pelí­cula, con el Gran Prix des Amériques del Festival Mundial de Cine de Montréal en 1984. El norte, un filme indispensable.
periódico Vuelta en U 16 abril 2008.

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