RESONOCO

Balance El cineasta nacional Víctor Vega evaluó su labor en su última entrevista, ofrecida en la televisión

Roberto García Herrera | rgarcia@nacion.com
En el año 1975, cuando se estrenó Las cuarentas , por cadena nacional de televisión, en un comentario titulado La basura debajo de la alfombra , el periodista Guido Fernández, a la sazón director de La Nación , escribió: “No conozco a Víctor Vega ni sé dónde aprendió a hacer cine, pero es cine del bueno…”

Víctor, ¿dónde aprendió a hacer cine?

Yo no lo sé muy bien, la verdad. En los inicios del Departamento de Cine (1973), nosotros recibimos una capacitación básica, pero creo que los que llegamos a hacer algún trabajo ahí, alguna capacidad narrativa traíamos.

“Supongo que esa habilidad la saqué de mi tata, que era un verdadero cuentacuentos. Reunía un montón de gente en las gradas de la escuela en Cañas, Guanacaste, donde él daba clases, y los entretenía por las noches, cuando no había luz ni radio, mucho menos tele.

Hay un sello del estilo que usted patentó en ese documental, lleno de símbolos. ¿Se alejó con el tiempo de ese lenguaje cinematográfico?

Siento que sí, muy a mi pesar. Es que, luego, la realidad se me volvió muy concreta: fue algo inevitable. Yo hago comerciales de televisión desde hace tiempo, como oficio. Entonces, me he vuelto más un empresario que un cineasta, aunque como cineasta mantengo inquietudes. Lo que pasa es que uno termina pagando la factura de vivir en un mundo tan concreto y tan duro, como es el de la publicidad. Sinceramente, yo no estoy muy contento con lo que hago, pero voy a hacer un intento para volver a las raíces.

Las cuarentas no es un estudio formal ni tiene rigor científico. ¿Cómo fue ese acercamiento a las prostitutas?

Mi preocupación por la prostitución me viene desde chiquillo porque vivía en un pueblo donde había una gran cantidad de prostitutas, de modo que nunca las pude ver como seres ajenos a mí.

“Le entré al tema con una gran curiosidad, para indagar hasta qué punto había percibido ese ambiente; y, una vez concluido el proceso, no varié mi primera impresión. Al final, yo nunca pude condenar la prostitución; no creo que una persona en su sano juicio la pueda condenar si la misma sociedad la produce.

Dentro de esa candidez, había un atrevimiento. ¿Qué pasó luego con el cine documental en Costa Rica? ¿Nos encasillamos o perdimos esa libertad para expresar, como en Las cuarentas, la realidad?

Las cuarentas corresponde al primer ciclo de realización, que estaba imbuido de una gran rebeldía; pero los que nos enseñaron eran cineastas diametralmente opuestos.

“Por un lado estaba Maurice Boulbulian, un armenio anarquista que a cada rato nos decía que hiciéramos lo que nos diera la gana, que la única forma de hacer cine era inventándolo cada vez. Por otro lado estaba Jean-Claude Pilon, un tipo cuadrado.

“Nos jalaban para los dos lados. Por un lado, que fuéramos muy formales y que nos atuviéramos a los parámetros que nos dictaba el PNUD, que había financiado la operación; por otro lado, la misma rebeldía, que partía de los mismos temas que nosotros enfocábamos, porque resultaba sencillamente imposible meterse en un tema de estos sin quedar untado moral y espiritualmente de lo que se veía.

“Esa gran rebeldía producía obras muy disímiles. Yo creo que Las cuarentas y casi todo lo que yo hice en el Centro de Cine, obedecía a ese ciclo de rebeldía, aunque hubo otros trabajos más formales. Esto no podía prevalecer, y el Centro de Cine (antes Departamento de Cine) tuvo que entrar cada vez más en un patrón de conducta más previsible, con documentales más institucionales, hasta que finalmente terminaron por liquidarlo.

¿Cómo se plantearía un nuevo documental sobre la prostitución?

Sinceramente, casi de la misma manera, con la diferencia de que el consumidor ya no es local. La mayor parte de los consumidores de prostitución en este país, viene de afuera. Ese es el componente que la diferencia, pero la prostitución sigue teniendo su origen en la necesidad, en el hambre, en la falta de educación, en el abuso de los niños, y todas estas lacras que son producto ¡nada más que de la pobreza!

“La prostitución sale de la pobreza, no sale de bajos principios morales. Por más pintado que sea cualquiera, en caso de necesidad no dudaría en prostituirse. ¿Por qué va a dudar una persona que tiene a sus hijos muertos de hambre? ¡Esa es la realidad!

Las cuarentas muestra el símbolo de una muñequita atropellada, pateada, vejada. En la escena final, la muñequita aparece en los brazos de una niña, hija de una de estas muchachas de la prostitución. ¿Es una herencia de dolor?

Sinceramente, sí. Si no hay una solución a las condiciones de pobreza que la generan, la prostitución no tiene remedio. Mientras exista un panorama como el que prevalece desde que yo hice esta película hasta nuestros días, mientras esa desigualdad social prevalezca, siempre va a haber prostitutas.

“Yo no creo que la prostitución sea un mal moral permanente. Lo increíble es que sea permanente la miseria de la que emerge esta barbaridad.

¿Tiene algún proyecto cinematográfico?

Lo último fue un primer capítulo de lo que sería una serie de televisión [ Café Fortuna ]. Es algo muy humano postergar las grandes decisiones por razones de mera inseguridad. Sí estoy convencido de que, si no hago un largometraje muy pronto, no lo voy a hacer nunca; de manera que en este año empezaré a escribir un tema que tengo de Fabián Dobles.

“Es un proyecto que quisiera escribir con Juan Fernando Cerdas y Gustavo Fallas. Espero emprenderlo cuanto antes sea posible porque de verdad que yo estoy quemando la candela de los dos lados y cada vez estoy menos joven.

…Pero más experimentado.

Claro que sí, pero lo único que la experiencia me indica es que tengo que apurarme.

Cinco meses después de esta entrevista en Lunes de Cinemateca , el cineasta Víctor Vega falleció el 26 de agosto del 2003, víctima de un cáncer.

EL AUTOR trabaja en el Centro Costarricense de Producción Cinematográfica del ministerio de Cultura y conduce el programa ‘Lunes de Cinemateca’ .

De lunes

a domingo

Con cinco años de estar al aire, Lunes de Cinemateca es un programa de difusión cultural en el campo del cine y el video costarricenses, coproducción del Canal 15 de la Universidad de Costa Rica y el Centro de Cine del MCJ. Desde su primera emisión, el 20 de enero del 2003, se han difundido más de 250 programas por Canal 15, los lunes y los jueves a las 9 p. m, con retransmisión por el Canal 13 los domingos a las 10 p. m. Es el único espacio en su género en la televisión costarricense. Por su set ha desfilado la gran mayoría de los realizadores audiovisuales. Hoy iniciamos un recuento de algunas de estas entrevistas, como la que se le hizo a Víctor Vega el 17 de marzo del 2003, ocasión en la que se presentó su documental Las cuarentas (1975), sobre la prostitución en Costa Rica.

Hombre

de cine

Víctor Vega Marín fue un productor y director de cine. Nació en Costa Rica en 1944 y murió el 26 de agosto de 2003.Comenzó sus labores como camarógrafo y director en 1973, fue miembro fundador del Departamento de Cine del Ministerio de Cultura, Juventud y Deportes (hoy Centro Costarricense de Producción Cinematográfica), y realizó 34 películas y más de 700 comerciales. Es considerado uno de los más grandes impulsores de la cinematografía en Costa Rica.

Filmografía

de Víctor Vega

Puerto Limón.Las cuarentas.A Sebastián.Nicaragua, patria libre o morir.El hombre de la pierna cruzada.Una canción para la paz.Una mancha de grasa.Tocú.Natividad.Réquiem.Café Fortuna.

Suplemento Áncora. periódico La Nación 20 abril 2008.

En Guatemala, durante la década de los años ochenta, se cometieron atrocidades militares contra las comunidades indí­genas. El filme El norte es un documento que nos ayuda a eludir las nebulosas del olvido.

Inti Picado Ovares
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Con la presentación del laureado filme El norte, del director chicano Gregory Navas, Videoteca del Sur continua su programación con lo más relevante del cine y video latinoamericano.
La presentación se llevará a cabo este miércoles 16 de abril a las siete de la noche, en la Sala Calle 15, ubicada al costado sur del Parque de la Democracia (sobre la avenida segunda, entre las calles 13 y 15). La entrada -como es usual para la Videoteca del Sur- es gratuita.
La trama
El norte nos cuenta la historia de vida de dos hermanos, Rosa y Enrique, indí­genas guatemaltecos, que se ven obligados a abandonar su remoto pueblo maya después de la muerte de sus padres a manos de las tropas del ejército. Luego de superar muchas dificultades se dirigen al norte en busca del sueño americano.
Para ellos, el mundo es ancho y ajeno, no tienen cabida en su propio paí­s. Como bien dice Rosa (Zaide Silvia Gutiérrez), la protagonista principal, “No hay lugar para nosotros: en nuestra tierra nos quieren matar; en México sólo hay pobreza; y aquí­, en el norte, no nos quieren. Tal vez sólo muertos encontremos un lugarcito”.

Contexto histórico
En Guatemala, durante la década de los años ochenta, se cometieron atrocidades militares contra las comunidades indí­genas y se practicó una polí­tica de tierra arrasada. El ejército mató y obligó a exiliarse a miles de habitantes rurales y destruyó más de cuatrocientos pueblos indí­genas. El conflicto también se extendí­a a los vecinos paí­ses de Nicaragua y El Salvador, donde hubo miles de muertes y refugiados polí­ticos.
Sobre el autor
El norte es el primer largometraje de Gregory Nava. El guión, escrito por el director y su esposa, fue nominado en 1985 para el Oscar y el Writers Guild of America Screen Award al mejor guión original. Además, Nava fue premiado, por esta pelí­cula, con el Gran Prix des Amériques del Festival Mundial de Cine de Montréal en 1984. El norte, un filme indispensable.
periódico Vuelta en U 16 abril 2008.

Ya se abrió el periodo para enviar las solicitudes de apoyo al Fondo de fomento al audiovisual de Centroamérica y el Caribe.

CINERGIA.
El fondo de estí­mulo al audiovisual de Centroamérica y el Caribe nació en el 2004.

Inti picado ovares
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Desde su creación en 2004, CINERGIA -Fondo de fomento al audiovisual de Centroamérica y el Caribe- no ha hecho más que consolidarse.
Aquellos primeros pasos de fortalecimiento del entorno creativo audiovisual han fortalecido las relaciones de coproducción entre los paí­ses del área y han tendido puentes entre los profesionales de toda la región.
En estos años, CINERGIA se ha convertido en el impulsor de las nuevas cinematografí­as del continente y, definitivamente, su trabajo es un ejemplo de unión e integración que marca claramente el rumbo a seguir.
A través de los años
En su última convocatoria, la del 2007, CINERGIA recibió un total de 114 proyectos de toda la región; hubo proyectos de todos los paí­ses del área, así­ como para todas las categorí­as abiertas.
En aquella ocasión, la producción de cortometrajes, el desarrollo de guión y el desarrollo de proyecto fueron las categorí­as con más propuestas -más de 20 trabajos cada una de ellas-.
Bases para el 2008
Este año, la recepción de solicitudes comenzó el pasado 4 de abril y se cerrará hasta el 18 de julio.

Las solicitudes serán evaluadas por un comité de reconocidos profesionales del ámbito audiovisual y de acuerdo a sus méritos creativos y sus posibilidades de ejecución.
La distribución de los fondos asignados -entre $2.000 (¢1.000.000) y $3.000- queda rá a criterio del jurado, pudiendo resultar desiertas una o varias de las categorí­as.
CINERGIA dará seguimiento a los proyectos seleccionados y hará revisiones en plazos previamente acordados mediante un contrato que debe ser firmado por los responsables de cada proyecto.
Además, CINERGIA brindará -al menos- un taller anual para responder a las necesidades identificadas por el comité de selección.
Todos los proyectos deben presentar un original y dos copias impresas, así­ como una copia electrónica. Las copias impresas deben estar debidamente encuadernadas y deben incluir un í­ndice del material presentado. Cualquier propuesta incompleta será rechazada inmediatamente.
Para más información visite el portal electrónico de www.cinergia.org.
priódico Vuelta en U 14 abril 2008.

Ludwig van Beethoven es, sin duda, el más grande genio musical de la historia. De manos de la directora Agnieszka Holland nos llega Beethoven, el inmortal; un homenaje al maestro a casi dos siglos de su muerte.

Inti Picado Ovares
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Al mediar la pelí­cula Beethoven revela el gran misterio de la música. “Las vibraciones del aire son el suspiro de Dios que le habla al alma del hombre”, nos dice. “La música es el lenguaje de Dios. Los músicos, más que ningún otro hombre, oí­mos su voz, leemos sus labios, concebimos a los hijos de dios que cantan sus alabanzas. Esos son los músicos, Anna Holtz, si no fuéramos eso no serí­amos nada”, sentencia. Con esta frase, Ludwig van Beethoven -interpretado con intensidad por Ed Harris- abre su corazón a la copista Anna Holtz (Diane Kruger). La pelí­cula -ficticia en muchos de sus pasajes- imagina los últimos tres años de vida del célebre compositor. Durante este tiempo, Beethoven conoce a la bella compositora Anna Holtz quien es escogida para que ayude al maestro a transcribir su último trabajo: la inmortal Novena sinfoní­a.
De hecho, el eje central de la pelí­cula es este trabajo, en el cual Beethoven trabajó por casi una década. A pocos dí­as de su estreno, Wenzel Schlemmer (Ralph Riach), el viejo copista del maestro, recurre a regañadientas a Anna para que ayude a transcribir la célebre música. Anna se encuentra ante un Beethoven solitario, prácticamente sordo y, de alguna manera, vilipendiado por el gran público que no lo comprendí­a.
En medio de una vida desordenada y caótica, Beethoven encuentra en Anna una especie de ángel guardián que lo ayuda a sortear los obstáculos. En la secuencia mejor lograda de la pelí­cula, en la que el compositor presenta La novena ante un público expectante, Anna se oculta en medio de la orquesta y dirige a Beethoven, quien, por su sordera, no puede hacerlo solo. Al terminar su ejecución, un público eufórico aplaude al maestro, quien de espaldas a éste no oye sus palmas. Al voltearse, Beethoven comprende que su obra ha sido un éxito; su ángel lo ha llevado de la mano a la gloria.
Si bien Anna Holtz nunca existió -y este episodio no sucedió de la misma forma en como se narra en el filme-, imaginar que algo así­ aconteció aquel 7 de mayo de 1824 en Viena es un justo homenaje a la mente musical más brillantes de la historia.

periódico Vuelta en U 11 abril 2008

Célebre El sábado 5 de abril se cumplieron cien años del nacimiento de la actriz Bette Davis

Diego Galán | El País Internacional @nacion.com
Era una ancianita enclenque y casi paralítica, necesitada de silla de ruedas o de un apoyo firme para mantenerse en pie, pero lucía pelucas que no dejaban sospechar que estaba calva.

Se maquillaba con cuidado exquisito para que sus ojos saltones, de color violeta, brillasen con brío, y seleccionaba con coquetería el broche exacto para cada vestido…

Nos preguntábamos de dónde sacaba Bette Davis tanta energía, a los 81 años, para gobernarlo todo desde su fragilidad. Supervisó los últimos detalles de sus apariciones, seleccionó su vestuario entre las docenas de maletas que había traído consigo, rechazó con firmeza a los maquilladores que no le gustaban, decidió el mueble en el que apoyarse para aparecer sola y firme frente al público…

Todo lo hizo con determinación de hierro. Bette Davis quiso despedirse del mundo en loor de multitudes. Aunque en el teatro de San Sebastián (España) no cabían masas, recibió allí –ante el público en pie– la última gran ovación de su vida.

Esa noche se sintió feliz, se emocionó…, aunque pronto se iba a enfadar mucho. Había exigido que se tradujera su discurso, y nada menos que Fernando Rey estaba dispuesto a hacerlo; pero el actor –animal de teatro– comprendió que tras aquellos aplausos enfebrecidos no cabía traducción: el público había entendido a la Davis, al menos desde la emoción, y con eso bastaba.

Sin embargo, ella no estuvo de acuerdo, y, cuando bajó el telón, se enfrentó a todos con un gran cabreo. Hubo que sentarla y esperar a que amainase el temporal.

Tardó tanto en calmarse que empezó la película que se proyectaba a continuación, con lo que resultaba imposible cruzar el escenario por delante de la pantalla para acceder a la salida. Hubo que caminar por detrás del enorme decorado, a oscuras, dando una vuelta complicada…

Entonces, la gran estrella, que minutos antes había brillado en el escenario, se desmoronó. Entre bastidores, desvalida, frágil, agarrada a nuestros brazos como única salvación y con el fondo sonoro de la película de risa que se estaba proyectando, Bette Davis era un guiñapo. Empero, de pronto, ante el asombro de todos, se produjo el milagro.

Al salir por fin a la calle y al encontrarse con la ovación del gentío que estaba esperando, Davis volvió a erguirse y a desplegar su secreto poderío. La ancianita dejó paso a la estrella de otros tiempos, y, de nuevo, el público la aclamó entusiasmado. Entonces nos susurró: “Me han devuelto ustedes la vida”.

Bette Davis murió en París 15 días más tarde, el 6 de octubre de 1989, víctima del cáncer que padecía. Su secretaria escribió que la estrella había querido ser amortajada con el mismo vestido de aquella noche inolvidable…

Hubo quien sostuvo que la inminencia de la muerte había sido precisamente el motivo de que hubiera aceptado la invitación de aquel modesto festival. Quizás haya sido así: ¿quién lo sabe?

En San Sebastián derrochó glamour y esa sabia inteligencia escénica de los grandes del espectáculo, dirigiéndose a sí misma –y, desde luego, dirigiendo a los demás–, para lograr una despedida apoteósica, triunfal, que la hiciera olvidar por un instante el lado oscuro de la decadencia y la devolviese a los años de triunfo en los que, con solo una mirada, ponía en posición de firmes a medio Hollywood.

Suplemento Áncora. periódico La Nación 13 abril 2008.

Creador promotor El cineasta guatemalteco Rafael Rosal amplía nuestro horizonte cinematográfico

Jurgen Ureña Arroyo | jurgenurena@yahoo.com
Es casi una paradoja que el nombre del festival cinematográfico más importante de Centroamérica, el ya célebre Ícaro, remita al motivo de la caída. Este breve comentario es estímulo suficiente para encender la tertulia con Rafael Rosal: en pocas palabras, él explica que el intento y la rebeldía prevalecen siempre por encima de la caída.

Nadie podría negar que este inquieto creador ha estado dispuesto a rebelarse y a intentarlo todo desde que fundó Casa Comal, centro que ha producido tres largometrajes en los últimos cinco años; asimismo, abriga a la primera escuela de cine y televisión de Guatemala y al Festival Ícaro. Tampoco podrán llamarlo ‘egoísta’. Hoy, Rafael Rosal comparte algunas técnicas de vuelo diseñadas para cruzar el panorama cinematográfico de nuestra región.

¿Cómo surge Casa Comal?

En 1995 regresé a Guatemala después de una ausencia prolongada, y tuve la suerte de conocer a la persona con quien se ha levantado este proyecto: Elías Jiménez.

“Tras la firma de los acuerdos de paz, nuestro medio audiovisual era un desierto. Existía la necesidad de sentar las bases de una industria que nos diese a conocer y que nos identificara como guatemaltecos. Entonces empezamos a dar talleres de cine, y en 1998 organizamos el Festival Ícaro. Dos años después, ante la necesidad de dar un espacio físico a estos proyectos, nació Casa Comal.

A inicios de los años 90 se estrenó la película guatemalteca El silencio de Neto (1992). ¿Cómo evalúan ustedes este antecedente?

Justamente mirábamos que esta película, al igual que las coproducciones entre Guatemala y México de los años 70, era producto del esfuerzo titánico e individual del director o del productor; pero esto no se iba a traducir nunca en una producción constante. Eran necesarios equipo, personal técnico capacitado, una infraestructura básica y un festival que diera exposición a todo el movimiento cinema-tográfico emergente.

Hablemos de las dos películas de Casa Comal en las que usted participa como productor ejecutivo: La casa de enfrente (2003) y VIP (2006). ¿Cómo se ha llegado a este híbrido entre cine negro y tragedia?

Elías Jiménez, director de ambas películas, ha roto el mito de la ópera prima y está perfilando un estilo muy personal. Esa combinación de elementos, de lo sórdido, lo violento y lo erótico, hace que sus películas sean taquilleras y a la vez tengan el descaro de mostrarnos la realidad cruda y dolorosa de una sociedad en decadencia.

“Como productor ejecutivo siento que hemos sufrido y superado la carencia de recursos con este estilo cuasi documental de la puesta en escena. En ambas películas, las prostitutas son prostitutas, los policías son policías y los reos son reos, siguiendo un poco la línea del cinéma vérité y del neorrealismo italiano.

Este estilo forjado a partir de carencias recuerda las propuestas del brasileño Glauber Rocha, valoradas por los críticos pero no por el gran público. Sin embargo, ustedes han conseguido un notable éxito en la taquilla. ¿A qué lo atribuyen?

Nuestras películas han salido a la luz en circunstancias muy especiales. Lo que pasaba con Glauber Rocha es que no disponía de canales de distribución; en ese momento no había una Teleglobo que absorbiera sus películas y las enviase a un público masivo. Nosotros teníamos aquí ya cinco años de relación con las salas de cine, a través del Festival Ícaro.

“También tuvimos a nuestro favor la posibilidad de grabar en formato digital. Muchas escenas de estas películas se grabaron a dos cámaras, lo que en 35 milímetros habría resultado muy oneroso.

¿Cree que la exposición del lenguaje urbano y de la sexualidad de los personajes ha ayudado en la taquilla?

Claro, aunque algunos espectadores se han sorprendido con esto y se han salido de la sala por considerarlo vulgar. Para ellos ha sido muy fuerte escuchar el lenguaje soez de los personajes, pero creo que, al no esconder ni maquillar lo que somos, hemos conseguido cierta efectividad.

En el 2004, usted dirigió Las cruces , una película que evidencia una gran admiración por el cine del japonés Akira Kurosawa…

En Las cruces me parecía necesaria una forma preciosista, alejada del lenguaje del videoclip. Intenté que fuera la acción, dentro y fuera del cuadro, la que contara la historia; en este sentido sí hay una gran influencia del maestro Kurosawa.

“Por otra parte, hay también una clara influencia de eso que llamamos el ‘nuevo cine latinoamericano’, y un pequeño intento de renovarlo y actualizarlo.

Al igual que en La casa de enfrente y en VIP , en Las cruces hay una denuncia política, representada en la masacre contra el pueblo indígena.

Inicialmente, esta referencia era ficticia por completo. Me enteré de que había dos aldeas masacradas, de nombre Las Cruces , mucho después de estrenar la película. Recibí un mensaje electrónico de un emigrante guatemalteco que vive en Los Ángeles, en el que me decía: ‘Yo estuve ahí’.

“Entonces sentí temor de que la población que sobrevivió a aquello pudiera ver mi película como algo incorrecto o ahistórico pues nosotros elegimos el nombre porque este es un país plagado de cruces, plagado de muertos, y nos pareció una imagen apropiada de lo que ha sido y de lo que es Guatemala. La realidad siempre supera a la ficción.

¿Dónde aparece el componente documental en Las cruces ?

En los personajes de los guerrilleros, que sí tienen referentes reales. Por otra parte, en la película hay una crítica a la izquierda… ¿Qué ha pasado después de veinte años? Esta objeción es evidente en el personaje del comandante, quien se ha acomodado muy bien y es ahora una especie de funcionario público.

Parece que, a pesar de la importancia de esta perspectiva, la película intenta mostrar la complejidad del conflicto armado.

Tratamos de que los muchachos que no vivieron aquello, entiendan que fue algo más complicado que un conflicto entre buenos contra malos. Creo que la película lo logra; incluso ha sido muy utilizada en escuelas de educación media.

“ Las Cruces es casi el documento que habla sobre la guerra, ante la incapacidad de la gente de leer los catorce volúmenes publicados por la Comisión de Esclarecimiento Histórico, que quizá solo habrán leído quienes los escribieron. Era necesario hacer algo más accesible al común de los ciudadanos.

Estas películas producidas por Casa Comal parecen responder a la necesidad de contar algo que durante mucho tiempo estuvo reprimido o fue censurado.

En las circunstancias actuales, después de casi doce años de la firma de los acuerdos de paz, el mayor riesgo que tiene el realizador es la autocensura. No digo que no haya por ahí dinosaurios que quisieran aplastarle a uno la cabeza por atreverse a decir las cosas, pero creo que, en general, no existe ahora una política de Estado de persecución, tal como hubo durante el conflicto armado.

Suplemento Áncora. periódico La Nación 13 abril 2008.

Gabriel Gutiérrez R.
gutgabriel@gmail.com

Vantage Point, 2008
Director: Pete Travis; Dennis Quaid, Matthew Fox, Forest Whitaker, William Hurt, Edgar Ramírez, Eduardo Noriega, Sigourmey Weaver
EE.UU. Thriller, acción. 90 minutos

¿En la mira de quién? Trama carente de sentido.

Salamanca, España. La cumbre antiterrorismo organizada por el presidente de Estados Unidos, Henry Ashton (William Hurt), fue blanco de un nuevo ataque terrorista. Justo después de que el Alcalde de Salamanca pronunciara las palabras de bienvenida, el presidente Ashton fue impactado por dos balas desde un lugar desconocido. La multitud congregada fue evacuada de la plaza de manera inmediata.

Minutos después, se escucha una explosión lejos de la plaza. Las autoridades consideran que fue una forma de distracción, porque instantes posteriores otra bomba fue detonada dentro de la plaza, que deja cientos de heridos.

Esta es la noticia en la cual “Justo en la mira” basa su relato. El inicio de la película es muy impactante, hasta que nos transportan 23 minutos antes del evento. Ya para este instante podemos intuir hacia dónde se dirige la cinta.

El evento es contado a partir de seis personas; seis perspectivas diferentes con las cuales el espectador va construyendo el contexto completo del filme.

En principio es original la manera de realizar la película. Se toma una escena de acción de unos diez minutos y se alarga a una película de una hora y media. Pero junto a esto se dejan muchos cabos sueltos que llegan a rozar con lo absurdo.

No hace falta poner un cuidado extremo a cada escena, porque en la última perspectiva se engloba todo lo que hemos visto. Una forma de decir “para quien no puso atención a toda la película, les vamos a dar un resumen de lo acontecido hasta el momento”.

El sexto relato tira de bruces todo lo construido. Se cambia el formato en que se iba realizando la película. Todos los personajes son tomados en cuenta y se olvida la dimensión subjetiva que iban realizando hasta el momento. El clímax que todos esperaban luego de cinco relatos, termina siendo una situación de incoherencia total.

Son muchas las fallas de “Justo en la mira”, pero es la edición la que más reluce. Las emociones que genera se dan a ratos. Cada vez que se cuenta una historia aumenta el nivel de acción, para luego cortarlo e iniciar de nuevo con otra historia. Como dirían, nos dan cinco “alegrones de burro”.

A pesar de todo, dentro de la temática se mencionan muchos argumentos sobre el rol de Estados Unidos en el mundo. La simpatía existente en torno a ellos, su política exterior y el típico temor a ser atacados por el terrorismo. Son chispazos dentro de la historia que —me gustaría pensar— es una forma de educar al pueblo estadounidense mostrando las carencias y el poco atractivo que el gobierno de Estados Unidos goza fuera de su territorio. Esto es quizás lo más rescatable de la cinta.

Al final trataron (y pongo énfasis en trataron) de hacer algo innovador, pero caen en la ilógica total. Una especie de “El día de la marmota” (Harold Ramis, 1993) de acción, mal hecha. Omitir
Revista Abanico. Periódico La Prensa Libre 10 abril 2008.

Inti Picado Ovares
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Charlton Heston se alió con la controversia en los últimos años de su vida. Su defensa vigorosa a la llamada Segunda Enmienda -el derecho constitucional de los ciudadanos estadounidenses a tener armas de fuego-, así­ como sus comentarios racistas, homofóbicos y contra las mujeres, le valieron una triste fama que de alguna manera amancilló su extraordinaria carrera.

Siendo presidente de la Asociación estadounidense de armas de fuego (NRA) hizo el comentario que lo acompañarí­a hasta el dí­a de su muerte: “tendrán que quitármelas (las armas) de mis manos muertas y frí­as”.
El 7 de diciembre de 1997, nuevamente en una convención de la NRA, Heston habló a favor de la supremací­a blanca, criticó al entonces presidente de Estado Unidos, Bill Clinton, por apoyar actividades en favor de los derechos de los homosexuales e hizo comentarios despectivos sobre el Holocausto.
Las palabras de Heston estuvieron tan cargadas de prejuicios, que fueron apoyadas públicamente por el miembro del grupo racista Ku Klux Klan, David Duke, un conocido partidario de la segregación racial.
En las pantallas
John Charles Carter -Charlton Heston- debutó en el cine en 1941, cuando protagonizó la pelí­cula Peer Gynt. Su inclinación por los papeles históricos comenzó a ser evidente al encarnar a Marco Antonio en Julius Caesar (1950), aunque fue su actuación como el dueño de un circo en el filme épico de Cecil B. DeMille The Greatest Show on Earth, lo que mostró su potencial de estrella. Otra colaboración con DeMille le otorgó al oportunidad de interpretar a Moisés en el éxito de taquilla de 1956 Los diez mandamientos, antes de brillar en Ben Hur, de William Wyler. Con casi cuatro horas de duración, el largometraje es considerado el punto más alto de la época de fascinación hollywoodense por las fastuosas producciones de temas bí­blicos.

Otras de sus interpretaciones memorables fueron la de un astronauta abandonado en el filme de ciencia ficción El planeta de los simios.
Una de cal y otra de arena: con la muerte de Charlton Heston pierde el cine, pero la NRA pierde a su mejor portavoz.
periódico Vuelta en U 9 abril 2008.

Una pelí­cula no puede estructurarse solamente a partir de recursos formales . Ese es el error de Vantage Point.

Inti Picado Ovares
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Cuando vemos Vantage Point nos viene a la mente una pregunta: ¿A qué viene tanto malabarismo del guinista Barry Levy?
La historia nos muestra el asesinato del presidente de Estados Unidos William Hurt durante una visita a España. La acción es repetida otras siete veces, para completar ocho puntos de vista distintos del asesinato.
Recordando en algunos planos la lógica de la pelí­cula de 1991 de Oliver Stone, JFK, en donde se nos mostraba una y otra vez -y capturado en 8 mm en el famoso filme Zapruder- el disparo mortal que acabó con la vida de John F. Kennedy. Pero si este recurso tení­a una motivación en el filme de Stone, en Vantage point pierde el sentido; no es suficiente.
Y es que la cinta nos muestra a Rex Brooks (Sigourney Weaver), la productora de noticias que cubre la historia; Thomas Barnes (Dennis Quaid), el agente del servicio secreto que busca al francotirador; Howard Lewis (Forrest Whitaker), el turista que filma el asesinato. Así­ como ellos, otros cinco personajes se entrelazan como una gran colcha de retazos que, en alguno de sus intersticios, revela la verdad.
Una idea mal ejecutada
La principal falla de la cinta está en el hecho de que ninguno de los puntos de vista está en la pantalla lo suficiente como para que podamos interesarnos por alguno de los personajes.
Si bien cada una de las historias -o piezas del rompecabezas- se entrelazan de buena manera, la trama completa parece ser más un ejercicio que una pelí­cula. Le falta pimienta, ese ingrediente distinto que pueda crear un ví­nculo con el espectador.
Acción de domingo
Pese a sus carencias, Vantage Point es por lo menos entretenida. Es de esas cintas de las que usted borrará no más salga de la sala de cine pero que, en una tarde aburrida de domingo, volverá a ver mientras espera el resumen deportivo.

periódico Vuelta en U 4 abril 2008

Gabriel Gutiérrez R.
gutgabriel@gmail.com

Jumper, 2008
Director: Doug Liman; Hayden
Christensen, Jamie Bell, Samuel L.

Jackson, Rachel Bilson, Diane Lane
EE.UU. Ciencia ficción, aventura

Película a medio camino.

“Jumper” no solo trata de vender la idea de personas capaces de teletransportarse, sino también de películas capaces de teletransportarse por tramos a una segunda entrega, sin siquiera tener la primera concluida.

Me explico mejor. Trilogías como “Indiana Jones”, “Piratas del Caribe”, “Matrix”, o incluso “El señor de los anillos” buscan en su primera parte tener un alto grado de conclusión. Se introduce a los personajes con los que posteriormente nos relacionaremos, con quienes nos sentiremos identificados y entonces generar interés por sus historias futuras. De ahí que personajes como Aragorn, Neo o Jack Sparrow tienen su campo en la memoria colectiva de muchos.

“Jumper” relata la vida de David Rice (Hayden Christensen), un perdedor en el colegio que descubre el poder de la teletransportación. Al escapar de un hogar con un padre abusivo, vive la buena vida con su habilidad sin saber del peligro que acecha a gente con ese poder. Los Paladines es una organización que se encarga de dar caza a estos “fenómenos”, con Roland (Samuel L. Jackson) como el líder y principal enemigo. Griffin (Jamie Bell, de gran actuación), otro “Jumper”, es quien explica a David la función de estos Paladines y la necesidad de vivir en al anonimato.

Al inicio la idea parece buena, pero en el momento que David logra controlar el poder de la teletransportación, la película se torna vacía y simple en la trama. Esto se arregla con escenas de relleno que tan solo son pretextos para mostrar los poderes y el modus vivendi de David. Escenas completamente irrelevantes y sin sentido para la historia completa.

La entrada de Griffin le da más sabor a la trama. Hubiera sido mejor enfocarse en la vida de él que en la de David, pero siempre el héroe tiene que ser bonachón, inocente y racional. Sin embargo, al no establecer bien las bases del personaje, queda como un ingenuo baboso.

Es el orden de acciones de la película, la gran carencia de profundidad en los personajes y la falta de muchas explicaciones hace que “Jumper” se quede como una insípida película.

Ahora pasemos a las matemáticas. La película tuvo un presupuesto de $85 millones. Al 20 de marzo ha recaudado mundialmente $183 millones, de los cuales $76 millones son solo de Estados Unidos. Mi punto es que se duplicó el costo de la película mostrando su rentabilidad y la posibilidad de continuar con la franquicia.

El asunto es que antes de establecer el personaje de David ya se está pensando en una secuela, con todo y sus próximos villanos, al dejar a personajes sin un futuro.

Al parecer el director Doug Liman (“Identidad Bourne”, “El sr. y la sra. Smith”) y los guionistas realizaron un final de temporada con un “Cliffhanger” (situación de suspenso) para el futuro.

Quedan muchas preguntas en el aire. Tal vez la segunda película lo explique. Solo queda esperar que si volvemos al cine a ver la secuela de “Jumper” la calidad mejore, porque si no, ¿cuál es la necesidad de hacer algo si no se intenta mejorar el producto anterior?
A muchos les quedará la sensación de haber visto un tercio de una película real.

Pásela.
Revista Abanico Periódico La Prensa Libre 3 abril 2008