RESONOCO

El clásico personaje de Marvel Comics llega a la gran pantalla. Después de su debut cinematográfico cinco años atrás, el monstruo regresa interpretado por Edward Norton. La cinta promete fuertes dosis de acción.

Un papel a su medida.
El camaleónico Edward Norton es convincente en su interpretación del gigante verde Hulk.

“No soy yo cuando me disgusto”.

Felipe González Coto
Colaborador Vuelta en U

Hulk está más de chicha que nunca. A poco del estreno de la pelí­cula The Incredible Hulk, el personaje en las historietas no es verde, ni gris; ahora es rojo!
Algunos, se han atrevido a afirmar que su color fuego es producto de más de cuarenta años de chichas, transformaciones y, sobre todo, de decir una y otra vez “Hulk destruye”.
En realidad, dicho color es parte de una historia dentro de la historieta. La anterior pelí­cula de este personaje, Hulk, de 2003, es sólo una de las tantas facetas del gigante verde, y mostraba un monstruo que más que aplastar y destruir, se hallaba atrapado en una dicotomí­a psicológica sobre su existencia.
Esta dicotomí­a, según el estudiante de diseño gráfico í“scar Salazar, experto costarricense en cómics, se muestra desde la idea original del creador del personaje, Stan Lee, cuarenta años atrás.
A Lee, dibujante y escritor que trabajaba para la entonces Timely Comics (que a las postres se llamarí­a Marvel Comics), le fue solicitado crear nuevos personajes. Fue entonces que nació el Hulk, un gigante gris que recordaba esa bipolaridad del doctor Jekill y Mr Hide. Sí­, era gris no verde.
Según Salazar, el color verde caracterí­stico del Hulk fue producto de la casualidad, “el sucio color gris de Hulk que pretendí­an los dibujantes era un dolor de cabeza para los impresores. La tinta terminaba dando un tono verdoso. Así­ fue que un dí­a, el editor decidió que Hulk serí­a verde”, explicó.Los años cambiaron el verde chillón de la piel de Hulk, por un verde oliva oscuro.
En la pelí­cula de 2003, es justamente aquel verde chillón y sus pantalones morados, los que acompañan al gigante verde.

“Para este año, la pelí­cula mostrará a un Hulk verde oliva, con diseños más cercanos a los dibujos de John Buscema, uno de los dibujantes legendarios del personaje. Además la cinta mostrará una historia de villano contra héroe”, comentó Salazar.
Salazar pronostica que la pelí­cula estará llena de “Hulk destruye”.así­ que atentos, el gigante verde viene con mucha, mucha chicha.
periódico Vuelta en U 26 marzo 2008

Con el estreno de 2001: una odisea del espacio en 1968, el director Stanley Kubrick, daba un paso gigantesco fuera de toda convención. Aún hoy, muchas lecturas son posibles.

Inti Picado Ovares
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Aquella era la primera vez que entraba al hotel Chelsea en Manhattan. Al bajar del elevador en el piso 2, tuvo ante sus ojos un pasillo largo, continuo, una especie de túnel de poca anchura, al que abrí­an muchas puertas, incesantemente iguales, con los números gastados por más de de ochenta años de historias de viejas leyendas del arte.
El aire se colaba por debajo de las puertas y refrescaba un ambiente que de otra manera serí­a asfixiante. Sólo cuando estuvo al final del pasillo escuchó los primeros sonidos, amortiguados detrás de aquella con el número 001. Lo que sonaba era la música de Así­ habló Zarathustra , de Strauss. Ahí­ se quedó por unos minutos, en silencio, sin querer romper la perfección del momento. Por fin, cuando la pieza llegó a su final, Arthur C. Clarke se atrevió a llamar a la puerta con un par de golpes secos.
Esa tarde conoció al maestro. Tení­a el cabello corto, peinando a la derecha, sin intentar ocultar una calvicie incipiente que ya no lo atormentaba. Era regordete, y vestí­a con zapatos de piel de gamuza y una chaquetilla azul claro de algodón ordinario, se moví­a a pasos acompasados y con una tranquilidad escalofriante.
Lo primero que preguntó fue por sus cuentos. Unos dí­as antes, cuando concertaron la cita, Kubrick habí­a comentado con Clarke su deseo de hacer una historia de ciencia ficción. Fue así­ como aquella tarde pasarí­an repasando uno a unos sus libros. En cierto momento, la lista habí­a quedado reducida a dos: Encuentro al amanecer y El centinela.
Este último cuento serí­a la inspiración para la nueva pelí­cula: 2001: una odisea del espacio. A los años, Arthur C. Clarke dirí­a: “El genio de Stanley en 2001 no fue cuánto hizo, sino lo poco que hizo. Este fue el trabajo de un artista tan seguro de sí­ mismo que redujo cada escena a lo básico, y nos la dejó en la pantalla lo suficiente como para que la contempláramos y la dejáramos habitar en nuestra imaginación”.
Aquella vez trabajaron hasta el amanecer: lanzaron ideas, estructuron la historia, modelaron los personajes. Cuando finalmente se despidieron, ambos sabí­an que tení­an algo grande entre manos. Clarke salió en silencio de la habitación; los huéspedes aún dormí­an. Ante sus ojos se abrí­a un pasillo largo, continuo, una especie de túnel de poca anchura, al que abrí­an muchas puertas, incesantemente iguales, con los números gastados por más de de ochenta años de historias de viejas leyendas del arte. A las 6 horas y 11 minutos, Arthur C. Clarke abandona el 222 oeste de la calle 23 y sonrí­e; después de todo, el 2001 está a sólo tres décadas.
peródico Vuelta en U 24 marzo 2008

Gabriel Gutiérrez R.
gutgabriel@gmail.com

The Kite Runner, 2007.

Director: Marc Foster; Khald Abdalla, Zekeria Ebrahimi, Atossa Leoni, Ahmad Khan Mahmidzada, Shaun Toub, Homayoun Ershadi
Estados Unidos. Drama. 128 minutos.

Ganga de sentimentalismo

En muchas ocasiones al observar el avance de una cinta se genera una expectativa grande respecto a la calidad de la película, más aun, si cuenta con un buen director. No obstante, al ver “Cometas en el cielo” dichas expectativas no son llenadas ante una historia muy diferente a la que se vislumbraba.

“Cometas” inicia contando la relación de amistad entre Amir, un niño de una familia acomodada, y Hassan, el hijo del sirviente de la familia. Ambos comparten mucho, pero en una ocasión Hassan es atacado y ante el temor de Amir por defenderlo, éste decide negar la amistad. Al momento de la invasión rusa a Afganistán, Amir y su padre se van a los Estados Unidos donde se asientan e inician una nueva vida. Todo cambia cuando el mejor amigo de su padre contacta a Amir para que rescate al hijo de Hassan de los Talibanes.

El gran problema de “Cometas” es el personaje de Amir. Se define como una persona débil, miedosa e incapaz de defender a un amigo que daría todo por él. Durante el transcurso de la película se espera ver al personaje redimirse por sus acciones, pero siempre queda como un cobarde.

Este es el gran pecado de la película. Por medio de este personaje se intenta crear un puente entre los espectadores y la película. Es mucho el sentimentalismo que se busca cimentar en el espectador, pero la falta de carácter de Amir hace que la emotividad pase a un segundo plano. En muchas ocasiones son tan innecesarios que hacen la escena irrelevante.

Lo mismo sucede con los diálogos. Al llegar Amir a Afganistán se inicia una introducción informativa sobre el régimen Talibán. Farid, el chofer que lleva a Amir a este país le pasa relatando la forma de vida en Afganistán, mientras Amir ve todo el país con nostalgia. Se combina la añoranza y la información de los talibanes de una manera desmesurada. Son información y escenas que a la larga resultan insulsas.

Con todo esto la cinta termina siendo pretensiosa. Hay un rico contexto histórico con la invasión rusa, el éxodo masivo de afganos a Pakistán y Estados Unidos y los Talibanes, que no llega a ser explotado de la mejor manera.

Las emociones y sentimientos del personaje de Amir no encajan con su personalidad y por ello el elemento emocional sobra en gran parte de “Cometas”.

A pesar de la gran cantidad de carencias de la cinta, no todo es malo. Aspectos como la música, la cual fue nominada a un premio de la Academia, las hermosas locaciones y una buena dirección de Marc Foster (Monster Ball, Buscando el país de nunca jamás) en el manejo de los escenarios y en especial las tomas panoramicas que realiza con los cometas como protagonistas.

Más carencias en la historia que virtudes, y con ello queda la sensación de que la película pudo más. Porque al final el mensaje primordial de que el poder de la palabra puede cambiar la vida, manteniendo siempre la esperanza intacta, no es rescatado por carencias en la historia.

Pudo más.

PÁSELA
Revista Abanico, periódico La Prensa libre 20 marzo 2008

En camino Frank Miller lleva al cine la mítica historieta ‘The Spirit’, del decenio de 1940

Oscar Sierra Quintero | okicartoon@yahoo.com
Un día cualquiera, a comienzos del otoño de 1939, el joven dibujante Will Eisner, socio de la editora de historietas Eisner & Iger, recibió una llamada de Busy Arnold, dueño de Quality Comics. Arnold lo invitaba a un almuerzo y a conversar sobre un novedoso proyecto.

Al día siguiente Eisner acudió a la cita con Arnold, quien llegó acompañado de su socio Henry Martin. Ambos le propusieron, al ya famoso dibujante, la creación y realización total de una revista de comics de 16 páginas. Su frecuencia sería semanal y saldría publicada en todo el territorio de los Estados Unidos como inserto en las ediciones dominicales de los periódicos más importantes. Esto nunca se había ensayado antes.

Luego de varias negociaciones, los tres hombres firmaron un acuerdo por medio del cual el copyright estaría a nombre de Arnold, pero, una vez concluido el contrato, la propiedad de los derechos pasaría a nombre de Will Eisner.

De un día para otro, el dibujante de 22 años se encontró ante un gran dilema: debía abandonar Eisner & Iger, una compañía exitosa y rentable que producía comics books para varios editores. Por otra parte, Eisner era consciente de que era una aventura arriesgada el meterse en un nuevo proyecto que carecía de antecedentes.

Pese a todo, el artista decidió dar el paso adelante. Lo atrajo la gran oportunidad de publicar en los grandes periódicos del país, lo que le proporcionaría un público adulto y la oportunidad de producir historias mucho más elaboradas. Así haría realidad su deseo de llevar el mundo del comic más allá de los parámetros conocidos hasta entonces.

En equipo. Una vez vendida su parte del negocio a su socio Jerry Iger, Eisner se puso a trabajar. Pronto tuvo creadas tres historietas, necesarias para llenar las páginas de las que disponía.

La principal historieta sería The Spirit . Trataría de un detective que iba por libre en su enfrentamiento con la delincuencia y, por lo mismo, sin vínculo oficial con el departamento de policía.

Otra historieta versaría sobre una heroína disfrazada: Lady Luck. La tercera historieta contaría las aventuras de un mago llamado Mr. Mystic.

The Spirit contaría con 7 páginas en las 32 primeras semanas. Para las dos últimas series, Eisner contrató a sus colegas Chuck Mazoujian y Bob Powell. Eisner se haría cargo de la historieta principal.

La primera historieta de The Spirit apareció el 2 de junio de 1940 en cinco insertos dominicales y llegó a publicarse hasta en 20 periódicos del país. Al poco tiempo comenzaron a verse los resultados del gran trabajo desarrollado por Eisner y su equipo. La respuesta del público fue contundente. El Philadelphia Record , suscriptor piloto, informó de que la venta del periódico subía un 10% cuando la sección de The Spirit aparecía en la edición dominical.

Auge y declive. Con el paso del tiempo, el autor fue incorporando nuevos personajes, tales como Ebony White (ébano blanco), un despabilado jovencito de raza negra, quien acaba convirtiéndose en la mano derecha de The Spirit . Además, llegaría a ser el experimentado piloto del auto volador que el héroe utiliza en muchas de sus aventuras.

También se unen al elenco Ellen Dolan, la bella hija del comisario Dolan, eterna enamorada del héroe del antifaz, y la Reina Negra, una brillante y sensual abogada que trabaja a favor del crimen organizado.

Según el testimonio del mismo Eisner, el período comprendido entre 1945 y 1947 fue el mejor de The Spirit . En ellos, la serie alcanzó altas cotas de contenido artístico y argumental. Empero, poco después comenzaron los problemas.

En 1951 se habían producido muchos cambios económicos; uno de estos fue el incremento del coste del papel. A raíz de esto, el precio del inserto de las historietas de Eisner fue muy oneroso. Por tal motivo, los periódicos comenzaron a reducir el espacio que habían dedicado a sus diversas historietas.

El 4 de octubre de 1952, Eisner terminó su labor al frente de The Spirit para dedicarse a nuevos retos en el comic . Sin embargo, The Spirit continuó publicándose en Europa y América durante algunos años más, y se lo reconoció como una de las obras maestras del comic de todos los tiempos.

En grande. Luego de muchos años de espera, el gran detective del antifaz sale por fin de su refugio, situado en Wild Wood, para colocarse bajo las candilejas de Hollywood. El héroe aparecerá en una de las cintas que más expectativas crean entre los seguidores de este personaje y los amantes del cine de acción.

La filmación de Will Eisner’s The Spirit acaba de iniciarse en la ciudad de Albuquerque (Nuevo México, Estados Unidos). La dirige ese otro gran maestro del comic , llamado Frank Miller, conocido por dos novelas gráficas suyas llevadas al cine por otros directores: Ciudad del pecado ( Sin City ) y 300 .

Se ha previsto un periodo de posproducción de casi un año, para crear los efectos visuales. La fecha del estreno de la cinta está ya pautada: 16 de enero del 2009.

El elenco de actores de The Spirit está encabezado por Gabriel Macht, quien encarna al personaje principal (The Spirit / Denny Colt), Sarah Paulson (Ellen Dolan, la novia del héroe), Dan Lauria (el comisario Dolan, padre de Ellen y el único que conoce la identidad secreta de The Spirit) y Samuel L. Jackson (The Octopus, el archivillano).

Complementan el elenco un trío de mujeres fatales integrado por Scarlett Johansson (Silken Floss), Eva Mendes (Sand Saref) y la española Paz Vega (Plaster de París), encargadas de aportar el elemento erótico a la cinta.

Con Will Eisner’s The Spirit, Hollywood “se pone a derecho” con los amantes del buen comic, quienes esperaban ver, en la gran pantalla, a uno de sus más importantes personajes; además, los productores de la película se aseguran una gran taquilla mundial. Bueno, esto ocurrirá siempre que la cinta logre colocarse a la altura del original, cosa difícil de poner en duda si se toma en cuenta que a la cabeza del equipo de la cinta está Frank Miller, digno heredero del inmortal Will Eisner.

Máscara

y misterio

En la galería de los exitosos personajes de la historieta mundial llevados a la pantalla grande, siempre se lamentó la ausencia uno de los más apreciados por el público: The Spirit.Desde que vio la luz (en los años 40), The Spirit marcó todo un hito en la historia del comic . Aquel detective enmascarado presentó un tipo muy alejado del que ofrecían los invulnerables superhéroes . Estos dominaban entonces la industria de la historieta; pero The Spirit resultó ser un personaje común y corriente. En su eterna lucha contra el crimen y sin “superpoderes”, él se jugaba el pellejo como cualquier hijo de vecino, simplemente ocultando su identidad bajo un sugestivo antifaz. Este típico antihéroe de “carne y hueso” siempre se presentó ante sus lectores vestido de traje y corbata. Es un detective cuyo verdadero nombre es Denny Colt. Fue dado por muerto en una lucha que sostuvo contra un científico criminal (Mr. Cobra).Después de salir de un estado de catalepsia inducida, Colt se dedicó a una cruzada en favor de la justicia, pero bajo una identidad secreta. Ahora, como The Spirit, estableció su refugio en un mausoleo del cementerio de Wild Wood, en la Ciudad Central. Allí nos espera.

Suplemento Áncora periódico La Nación 16 marzo 2008.

Del director de Finding Neverland (2004) y Monster's Ball (2001), Marc Foster, llega a nuestras salas esta versión cinematográfica del éxito literario The kite runner, de Khaled Hosseini.

Inseparables.
Los niños y su cometa.

Inti Picado Ovares
ipicado@vueltaenu.co.crEsta dirección de correo electrónico está protegida contra los robots de spam, necesitas tener Javascript activado para poder verla Lo raro ahora, al recordarlo, era el silencio, la pureza del lugar, pensó Amir. Aquella mañana, por la ventana de su casa se filtraba una luz suave, la misma que descendí­a sobre ese valle estrecho que rodea el rí­o Kabul desde siempre, y como la vio desde esa colina en el siglo I de nuestra era el primer emperador Kushan, cuyos restos serán identificados por curiosos antropólogos mucho después, cuando Kabul sea un valle cubierto por plantas salvajes y todos los que caminaban presurosos por la campiña aquella mañana no sean más que huesos, con unas cuantas sortijas de oro mezcladas con el polvo del tiempo.
Era el año 1978. Kabul era una ciudad tranquila en la que dos niños podí­an aún jugar con cometas. El dí­a en que Hassan llegó a buscarlo, Amir ya lo esperaba. Ese fue el inicio de una gran amistad. Así­ pasaron todo aquel año; compartiendo la misma pasión. Pero una tarde se enemistaron; y la guerra los separó definitivamente. Amir escapa con su padre a Estados Unidos. Ahí­ inicia, en San Francisco, una nueva vida; Hassan se queda en Kabul junto a su familia.
Muchos años después, Amir recibe una llamada del padre de Hassan. Éste a muerto y su hijo ha sido secuestrado por los talibanes. Amir regresa a Kabul pese a las dudas de su esposa y al peligro que ésto entraña.
Para él ha llegado el momento de vencer sus fantasmas; de responderle a Hassan en honor a la vieja amistad. Éste es el momento en el que podrá reconstruir su memoria.
El director
El director de origen alemán Marc Foster -también responsable de Finding Neverland (2004) y Monster's Ball (2001)- fue el encargado de esta versión cinematográfica del libro The kite runner, de Khaled Hosseini. Si bien es una cinta entretenida, sí­ está lejos de ser una obra de arte. Aún así­, Foster confirmó que es un gran director de actores -recordemos a Halle Berry en Monster's Ball- pues las actuaciones de los jóvenes afganos Zekeria Ebrahimi y Ahmad Khan Mahmidzada como los niños Amir y Hassan respectivamente, es un punto alto de la pelí­cula.
Para Amir ha llegado el momento de vencer sus fantasmas; de reconstruir su memoria gastada.

periódico Vuelta en U 14 marzo 2008

Gabriel Gutiérrez R.
gutgabriel@gmail.com

No Country for Old Men, 2007
Director: Joel y Ethan Coen; Josh Brolin, Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Woody Harrelson
EE.UU. Drama, western. 122 minutos
Ganadora de 4 Oscares: Mejor película, mejor director, mejor actor secundario (Javier Bardem), mejor guión adaptado

“Dos cabezas piensan
mejor que una”
Al hacer un repaso por las películas de los hermanos Coen, se encuentra una línea muy similar de dirección y temática donde se resaltan las acciones y posteriores consecuencias que acarrean. Muchas veces no se puede cambiar el curso de los eventos.

“Sin lugar para los débiles” es la mejor producción que ambos hermanos hayan logrado. Crean un gran nivel de detalle y caracterización de los personajes.

Probablemente esté equivocado, pero no se puede socavar el hecho de que dos directores pueden tener un mayor control en estos aspectos que uno solo.

Tanto la parte técnica de la película, como la historia, son complejas.

En lo primero, podemos ver locaciones y paisajes que denotan la soledad de los personajes, acompañada por la amplitud de tomas que maximizan esta situación. La cámara muestra todos los elementos que están alrededor de los personajes, para ayudarnos a crear un mejor entendimiento del entorno. La edición simula capítulos dentro de la película que permite dar un respiro luego de los eventos que ocurren y la música no hace más que atraparnos en esta gran historia.

Antón Chigurh (Javier Bardem), un asesino inhumano, es contratado para buscar un maletín lleno de dinero que Llewelyn Moss (Josh Brolin) se llevó de un “O.K. Corral” entre narcotráficos. Luego de esto, se inicia una lucha entre Llewelyn y Anton, y el sheriff Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones) está en el medio tratando de proteger a la esposa de Llewelyn, Carla Jean Moss (Nelly McDonald), y por ende a Llewelyn mismo.

La tensión de la cinta va en escalada conforme se agiganta el duelo entre Llewelyn y Anton, que podría considerarse como la historia de fondo, teniendo al personaje del sheriff Bell como historia secundaria, pero muy relevante.

Acá recae la genialidad de la trama. Aparece el personaje de Ellis (Barry Corbin), tío de Ed Tom. Poco sabemos de él y el rol que representa, pero conforme avanza la conversación
—teniendo el 90% de la película transcurrida en nuestras cabezas— vemos que este personaje representa lo que en términos literarios se le llama “Deus ex machina”, el personaje improbable que es introducido dentro de una obra para develar información importante.

Ellis expone a Ed Tom que “las cosas pasan, no podemos cambiarlas”. Con ello se le da un mayor sentido al personaje, a las acciones, a la actitud del sheriff, al duelo de Llewelyn-Anton y los acontecimientos de la cinta en general.

Los hermanos Coen le dieron características únicas a “Sin lugar para los débiles”. Una trama cuyo ritmo es manejado de manera tan sutil que observarla se convierte en una exquisitez. Se crea una multiplicidad de personajes (primarios, secundarios, de relleno), y la mayoría llegan a tener características caricaturescas y las actuaciones de todos los actores están a la altura de esta producción. Por supuesto, no pueden faltar las situaciones incongruentes con velos de humor negro, típico de los Coen.

Como un todo, la película roza la perfección, por ello no debe extrañar la cantidad de premios y el favor de la crítica mundial.

Quienes deseen adentrarse en el mundo de los Coen, “Fargo” (1996, Joel Coen), representa una película con una calidad excelente y con una temática similar a “Sin lugar para los débiles”.

Muy recomendada.
Revista Abanico, periódico La Prensa Libre 13 marzo 2008

A diario este conflicto suma más ví­ctimas. Para muchos, como el director Brian De Palma, el sinsentido del combate debe ser un tema de discusión frecuente.

Cinco años.
La guerra en Irak continúa; la única salida vendrá con el cambio de gobierno en EE UU.

Inti Picado Ovares y Afp
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Ala pelí­cula Redacted, presentada en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara “no le fue bien en Estados Unidos porque nadie quiere saber lo que está sucediendo en Irak”, aseguró su director, Brian de Palma.
“Tratamos de decir la verdad y nadie quiso escucharla”, recalcó poco antes de que fuera proyectado su último trabajo, ganador del Festival de Venecia en 2007.
“La mayorí­a de la gente quiere que Estados Unidos salga de Irak. Esperamos que en la elección se elija a un presidente y a un Congreso que hagan que eso ocurra”, dijo el realizador.
Sobre el manejo de la información sobre temas como Irak, Brian de Palma añadió que “los medios masivos, generalmente, lo único que hacen es representar a sus propios intereses y a sus corporativos y cuando dicen que dan noticias lo que hacen es develar las verdades de los intereses de los que les pagan”.
“La verdad es que somos como una gota de agua en el mar de la oposición. Y sí­ nos escuchan y todo, pero somos como una gota minúscula y estamos gritando en un mar de gente que no escucha”, prosiguió el director.
Por si fuera poco “los estadounidenses no son muy curiosos acerca de lo que ocurre fuera de su paí­s y creen que son el paí­s más sensacional en el mundo”, ironizó .
El filme
La pelí­cula aborda una historia real: la violación en 2006 de una adolescente iraquí­ y el posterior asesinato de su familia por soldados norteamericanos.
A la hora de su filmación, De Palma recurre a los medios tecnológicos con que los soldados norteamericanos has estado en contacto con casa: blogs, cámaras de video, You Tube, por mencionar algunas.
El resultado: un “documental de ficción” reforzado con hechos reales y una guerra con la que claramente De Palma no está contento.
Así­ como su pelí­cula Casualties of War mostró allá por 1989 la cruda realidad vivida en la guerra de Vietnam, el director expone ahora su opinión sobre Irak. La gran diferencia es que, al momento de hacerlo, la guerra de Irak es un callejón sin salida.
1987 Los intocablesLa cinta retrata la vida y captura, a manos del escuadrón encabezado por el agente Elliot Ness, del famoso gángster Al Capone.
2008 Los orí­genes de AlCapone serán pelí­cula. En la actualidad, De Palma trabaja en la cinta que muestra sus primeros pasos en el mundo criminal

periódico Vuelta en U 12 marzo 2008

Algunas nunca llegarán.
Lamentablemente, cintas como cuesta que lleguen al paí­s.

Redacción y Afp
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Mientras las pelí­culas nominadas o ganadoras de premios Oscar siguen atrayendo a cinéfilos de América Latina y España, cintas de suspenso como Vantage Point, comedias como The game plan o dramas como P.S. I love you están conquistando adeptos.
Las siguientes son, según fuentes especializadas de cada paí­s, algunas de las pelí­culas más vistas duratne la semana que recién finaliza en América Latina y España:

En Argentina
En este paí­s las cinco pelí­culas más vistas son, en orden descendiente: The game plan, de Andy Kickman; Antes de partir, de Rob Reiner;Puntos de vista, de Pete Travis; There will be blood, de Paul Thomas Anderson yPostdata: te amo, de Richard LaGravenese.
En Chile
The WaterHorse, de Jay Russel, encabeza la lista de taquilla, seguida porThe game plan, de Andy Fickman y Sweeney Todd, de Tim Burton.
Le siguen de cerca Cloverfield, de Matt Reeves y Sin lugar para los débiles, de Joel & Ethan Coen
En México
Por otro lado, en México,Una loca pelí­cula de Esparta, de Jason Friedberg, continúa en el primer puesto. Le siguen Juno, de Jasson Reitman;
Postada: te amo, de Richard LaGravenese; Puntos de vista, de Pete Travis y, en el quinto puesto, encontramos a Charlie Wilson's War, de Mike Nichols.
En España
Al otro lado del Atlántico, la cinta de Doug Liman, Jumperres, amaneció en el primer sitio. En el segundo puesto se ubicó Charlie Wilson's War, de Mike Nichols. En los tres lugares siguientes se encuentranAstérix en los Juegos Olí­mpicos, de Thomas Langmann y Frédéric Forestier;No country for old man, de Ethan y Joel Cohen ySweeney Todd, de Tim Burton.
De las producciones cinematográficas de este listado, en nuestro paí­s se encuentran en cartelera las multigalardonadas: Sweeney Todd y No country for old man. Otras, como por ejemploAstérix en los Juegos Olí­mpicos, quizás ni siquiera lleguen al paí­s.

periódico Vuelta en U 10 marzo 2008

Todos, en algún momento de nuestras vidas, hemos creí­do en milagros. La pelí­cula canadiense, a estrenarse esta semana, nos enseña el poder de la esperanza; un bálsamo contra las tristezas de la vida.

Ralph corre en busca de un milagro.

Inti Picado Ovares
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Del director Michael McGowan nos llega una comedia ambientada en la década de los años cincuenta. Se trata del filme canadiense Saint Ralph, que cuenta la historia de Ralph (Adam Butcher), un estudiante de una escuela católica que lucha contra sus hormonas, desafí­a la autoridad de sus profesores católicos y espera ferviertemente un milagro: ganar la maratón de Boston.
La infancia de Ralph no es fácil. Su padre murió durante la Segunda Guerra Mundial y su madre se encuentra en coma debido a un cáncer terminal. Es así­ como el niño debe crearse un mundo fantasioso -apoyado en su amigo Chester- en el que pretende que vive una vida normal al lado de sus abuelos.
Ralph visita con regularidad a su madre en el hospital, lugar en el que entabla una estrecha amistad con una de las enfermeras (Jennifer Tilly).
En la institución educativa lleva una vida similar a la de los demás niños; intenta salir con una compañera que lo evita -pues aspira convertirse en monja-, y causa problemas a dos de sus profesores, religiosos ambos, pero en extremos opuestos de la fe; su instinto los hace actuar de formas distintas ante Ralph. Por un lado se encuentre el padre Fitzpatrick (Gordon Pinsent), unhombre ya entrado en años, para quien el buscar un milagro con fines terrenales -en este caso la salvación de la madre de Ralph- es algo con asomos de blasfemia. En el otro extremo se encuentra el padre Hibbert (Campbell Scott), quien cree que la fe de un joven es una de las cualidades más importas que una persona puede tener. Es así­ cómo, cuando Ralph cree que si gana la maratón de Boston -algo con claros ribetes de milagro- podrí­a ser la señal de que su madre podrá salvarse, ambos curas enfrentan la situación con argumentos opuestos.
Para levantar el espí­ritu
Saint Ralph encierra una historia en la misma vertiente que Billy Elliot. En ella, al igual que en la pelí­cula del bailarí­n, el espí­ritu inquebrantable de un niñonos regala unos minutos de fe; algo suficiente al fin para recordarnos que siempre existe la esperanza.
Para Ralph es simple: si gana la maratón de Boston su madre enferma se salvara de milagro.

periódico Vuelta en U 10 marzo 2008

En el camino Tres películas de los Coen preparan la ruta a su cinta premiada ‘Sin lugar para los débiles’

Jurgen Ureña Arroyo | jurgenurena@yahoo.com
Cuentan los cronistas malintencionados que los hermanos Auguste y Louis Lumière, padres del cinematógrafo y primeros directores de la historia del cine, gozaban de gran curiosidad y de poca imaginación. Por ello experimentaron con mecanismos de arrastre y secuencias fotográficas, pero jamás imaginaron que su invención tendría éxito. Tampoco adivinaron que las películas se convertirían, un buen día, en cajones de sastre, por lo que fue necesario esperar, durante casi un siglo, al ingenio bicéfalo de los hermanos Coen.

Originarios de la ciudad estadounidense de Minneapolis, Etan y Joel Coen cargan sobre sus hombros con una filmografía celebrada y decididamente singular, compuesta por doce largometrajes que incluyen entre sus influencias a Sigmund Freud y Homero; a Akira Kurosawa y el folletín gangsteril; a la comedia de golpes y acrobacias, al Coyote y al Correcaminos.

Esta abierta vocación del “todo cabe” contrasta con un clasicismo formal pulcro e inquebrantable, a la usanza de las cinematografías de los años cuarenta. En nuestros días, el Oscar a la Mejor Película ha devuelto la mirada cinéfila sobre Sin lugar para los débiles , filme heredero de tres cintas particularmente significativas en su carrera: Simplemente sangre (1985), Fargo (1996) y El hombre que nunca estuvo allí (2001).

Simplemente Coen. La ópera prima de estos creadores del cine “siamés” se titula Simplemente sangre . Es una película de culto que presenta algunos rasgos característicos de la filmografía Coen.

La estilizada violencia de aquel filme preludia a Sin lugar para los débiles (2007) y amalgama una serie de referencias que incluyen la literatura detectivesca de Dashiell Hammett y James M. Cain, el cine de Alfred Hitchcock, los road movies estadounidenses y el lenguaje del absurdo expresado en un incómodo cadáver que se niega a permanecer muerto.

A partir de Simplemente sangre, los hermanos Coen cultivan una serie de constantes, como el humor negro, la cinefilia enciclopédica, la presencia de protagonistas fatalmente torpes y un corrosivo cinismo. Estos elementos fueron revisados con miradas de asombro en el Festival de Cannes de 1986, lo que al cabo de cinco años facilitó el otorgamiento de la Palma de Oro a su más audaz y significativo filme hasta el día de hoy: Barton Fink (1991).

Con su primer largometraje, los Coen plantan su propia bandera en el paisaje cinematográfico internacional.

Desde entonces han cambiado de registro alternativamente y han depurado una estética particular, primero con una comedia cercana a las costumbres del cartoon, titulada Educando a Arizona (1987); después mediante el regreso a las atmósferas cargadas del cine negro con De paseo por la muerte (1990).

El tedio y el frío. Barton Fink representa un hito en la filmografía de los hermanos Coen, tanto por el abandono a los ejercicios de relectura, parodia y homenaje, practicados hasta entonces por los directores, como por sus audaces e inéditos alcances estéticos.

La película expresa en detalle aquello que ocurre en la cabeza del protagonista, lo que para un amplio sector de la crítica hermana al sinuoso texto con el cine de David Lynch. El resultado es tan brillante como inaccesible para el público mayoritario: aquello que se cuenta en la película, no es lo que ocurre en la película.

Tras el previsible fracaso económico de Barton Fink , los Coen filman El gran salto (1994), un divertimento refinado y un homenaje a las cándidas películas de Frank Capra. Esta es también la primera muestra explícita del interés de los cineastas por el retrato social, lo que se confirma dos años después con el estreno de Fargo .

Ese sexto largometraje en la filmografía Coen es un ensayo en torno a la gris vida pueblerina, a mitad de camino entre el policíaco tradicional y el retrato descarnado de la América profunda. La geografía que da título al filme adquiere gran relevancia en la representación: las vidas vacías de los protagonistas y el sentimiento generalizado del tedio se funden con las grandes extensiones nevadas del lugar.

Con Fargo, los Coen comprueban que la “Ley de Murphy” es peor de lo que imaginamos. En cada rincón del pequeño poblado habita una víctima atribulada dispuesta a convertirse en victimario. A partir de este filme se despejan las dudas: los personajes Coen pertenecen a la estirpe social del asesino-mártir.

La ausencia. Tras la severidad estética de Fargo , los Coen se entregan al gozo despreocupado de dos filmes absurdos, coloridos y caricaturescos: El gran Lebowski (1998) y O brother, where art thou? (2000). Luego llega El hombre que nunca estuvo allí , la “película compendio” que reúne buena parte de sus hallazgos previos y consigue girar un poco más la tuerca del humor corrosivo.

El espectador de El hombre que nunca estuvo allí se sitúa rápidamente en los predios del film noir , muy cerca de películas como Perdición (Billy Wilder, 1944) y de El cartero siempre llama dos veces (Tay Garnett, 1946), mediante el uso de una fotografía expresionista en blanco y negro, de los motivos de la traición como ruta hacia el crimen y del destino como presencia inevitable.

La historia es contada entre pausas por el protagonista del filme, un lacónico barbero dispuesto a vender un matrimonio ruinoso, junto a una anodina vida profesional, a precio de sangre. Si a este esbozo argumental se suma la redención de una pianista joven y bella, las alucinaciones culposas y la conciencia de que todo es una broma exagerada, se concluye que existen muy pocas películas sobre el vacío tan llenas de significación.

Por otra parte, El hombre que nunca estuvo allí cierra el ciclo iniciado con Simplemente sangre mediante la presencia indirecta de personajes y tramas menores.

En nuestros días, todo cinéfilo que merezca el buen nombre sabe que los hermanos Coen han construido un personal universo del revés, siempre dispuesto a derrumbarse sin previo aviso, en un tres por dos. De esta materia excéntrica se compone Sin lugar para los débiles , aunque esta, evidentemente, es otra historia.

Filmografía

fraternal

Simplemente sangre (1985). Educando a Arizona (1987). De paseo por la muerte (1990). Barton Fink (1991). El gran salto (1994). Fargo (1996). El gran Lebowski (1998). O brother, where art thou? (2000). El hombre que nunca estuvo allí (2001). Crueldad intolerable (2003). El quinteto de la muerte (2004). Sin lugar para los débiles (2007).
Suple,mento Áncora periódico La Nación 9 marzo 2008